O filme Camile Claudel 1915 com a mais que excelente Juliette Binoche no papel de Camile Claudel, escultora Francesa, irmã do escritor Paul Claudel e ex-amante de Rodin, é uma demonstração da reclusa decadência de uma mulher apaixonada, que foi abandonada pelo grande amor e foi internada em um longíquo hospício para ser enterrada por uma sofrida vida. O longa dirigido por Bruno Dumont é um dos destaques da programação do Festival Varilux de Cinema Francês, que estreou em 01 de Maio e percorre 40 cidades em todo o país.

 

 

A história gira em torno de Camile confinada em um hospício no Sul da França, aguardando a visita de seu irmão Paul. Preservando sua beleza frágil com um olhar distante e, em alguns momentos dócil, ela  convive com mulheres tão destruídas quanto ela. O filme não se detêm a contar a história de amor que ela viveu há mais de 20 anos com Rodin. Após uma introdução de que ela foi amante do escultor e internada pela família, o filme a retrata já no hospício, muito abatida, suja. Este início convida o público a acompanhá-la em uma prisão na qual não existe vida, ainda que ela seja respeitada pelas irmãs e outras internas e pelo diretor do local. Ali o mundo parou e só ficou na mente dela a mania de perseguição e seu ódio por Rodin. Camile expressa a dor de uma mulher que efetivamente se sente perseguida, traída e abandonada, mas também demonstra que sua loucura é visualmente muito mais lírica e psicológica que física na forma como o longa foi dirigido. O diretor consegue criar uma atmosfera bem bucólica, de um confinamento que a separa completamente do mundo externo, que tem certa poesia à medida que a coloca tão próximo ao espectador mas também muito distante da França glamourosa de grandes artistas. Ela é um ser isolado, do choro ao silêncio, passando por surtos de ameaçadora agressão e momentos de oração, ela tem uma vida a qual nenhuma mulher genial e talentosa deseja chegar.

 

 

 

 

 

Além da atmosfera de reclusão e muita solidão, o que torna Camile Claudel 1915 um filme melancólico, ele é claramente difícil de assistir por ter um roteiro muito mais contemplativo que falado. Há muito pouco diálogo e o que sustenta o interesse é obviamente a concentrada atuação de Juliette Binoche, ora deprimida e extremamente chorosa como um grito de clamor desesperado, ora sorrindo levemente com a esperança de que a tirem daquela prisão. Juliette é o filme! Sem ela, não seria possível assistí-lo e suportá-lo em 1 hora e meia de projeção, ainda que o diretor seja bom, tenha um senso de direção  realista muito Europeu que se alterna com a sublime atuação da atriz. Ele parte de planos visuais de extrema beleza como os paisagísticos e vai ao detalhe de um copo, uma comida em preparação e os pés que descem uma escada. No geral, não necessariamente é somente a contemplação que o torna um desafio para as plateias, afinal observar com admiração o talento dramático de Juliette Binoche é para muitos.

 

 

 

 

Na verdade, é o abandono, a paranóia e a solidão de uma artista Francesa como Camile que faz com que o filme seja um exercício de coragem para o público, principalmente para as mulheres que tem mais tendência a se sensibilizar com a escultora em função de que ela foi abandonada por um homem. Dá muita compaixão perceber que Camile foi engolida pelo seu amor por Rodin. Ela simplesmente endoideceu e ficou muito mais louca convivendo com aquelas outras mulheres que já haviam perdido a sanidade mais que ela. Embora o filme expresse essa loucura dela uma forma muito elegante e serena, reflexões sobre um aspecto afetivo da cinebiografia de Camile são necessárias: "O quanto ela sofreu? O quanto ela realmente enlouqueceu devido ao amor e ao abandono? O quanto Rodin e Paul Claudel foram carrascos? O quanto a mulher artista foi silenciada na França?" O espectador tem que ter vontade de assistir a um filme como Camile  pois, até mesmo suas palavras que pedem ajuda podem ser suaves delírios de uma mente doentia; por outro lado, há momentos que chamam a atenção para o mistério de sua personalidade, muito citado pela História, pois dão a impressão de que ela foi uma mulher muito inteligente e acima de sua época e, portanto, foi silenciada pelos homens com os quais conviveu, incluindo o irmão Paul. Muito bem dirigido no aspecto de enquadrar planos que evocam a solidão, o silêncio e a loucura, Camile Claudel retrata uma vida que ninguém deseja ter, principalmente após ter amado perdidamente.

 

 

 

 

Oi Cinéfilos,

Desejo-lhes um Feliz Ano Novo com muita Cinefilia na cabeça e no coração para viver a vida com mais prazer e não endoidecer de vez.

Se for para viver um ano bem intenso de alegrias (e é isso que sempre espero e desejo a todos), que ele seja de frente para o telão do Cinema e falando muito sobre a sétima Arte. Começar o ano sabendo que temos o Cinema ao nosso lado, com novos lançamentos e memoráveis revisitações de filmes enche o coração de felicidade.
 
MaDame is alive, mais 2013 do que nunca!

Hoje retornei ao Cinema com o  1º filme do Ano: Hobbit, de Peter Jackson.
Foi nostálgico ver um Hobbit diante dos meus olhos. Contemplar cada personagem do Senhor dos Anéis foi como abrir o Ano com a afirmação de que o Cinema é incrivelmente parte da memória e da vida daqui por diante, sempre mais e mais.

Pensei na paz que deve ser morar em um Bolsão, a mesma paz que desejo em 2013. Pensei na magia do Cinema e como é bom começar o ano com um grande e afetivo filme como é toda a produção de Tolkien. Pensei em mais um ano, lutando para sempre conquistar o bem na vida, assim como é a luta constante dos nossos heróis do Senhor dos Anéis. Pensei como é bom ter um lar e, principalmente, um lar chamado Cinema.

Beijos e abraços. Saudadonas!

Desejo que 2013 seja o ano de muitas jornadas cinematográficas, afinal, cada filme é uma aventura para qual até Bilbo Bolseiro partiria.

MaDame

Histórias visionárias de liberdade e justiça para uma nação e românticas de amores proibidos e impossíveis sempre conquistam quando se trata de um drama histórico como O Amante da Rainha, filme Dinamarquês que conta um período da realeza Dinamarquesa no século XVIII, governada pelo insano Rei Christian VII  (Mikkel Boe Følsgaard) casado com a jovem Inglesa Caroline Mathilde (Alicia Vikander) em mais uma relação construída sem amor e com rachaduras para a traição, na qual surge Johann Friedrich Struensee (Mads Mikkelsen), charmoso e libertário médico alemão com ideias iluministas. Ele se torna médico oficial do palácio, melhor amigo do Rei e amante da Rainha, encerrando um triângulo amoroso de consequências revolucionárias e dramáticas. O filme também é uma forma de ver o Cinema Dinamarquês com outros olhos, com menos experimentalismo e  realismo contemporâneo, considerando que optaram por retratar um drama de época inspirado no romance de Bodil Steensen-Leth.

Sob a batuta de Nikolaj Arcel e representante da Dinamarca para o Oscar de melhor filme estrangeiro de 2012, O Amante da Rainha tem uma ambientação inspiradora, com uma direção de Arte que privilegia a beleza da época com seus figurinos que transitam entre a elegância da aristocracia endinheirada e a decadência do povo e uma fotografia evocativa que favorece o retrato do período histórico. Embora não seja de todo um filme exclusivo pois dramas semelhantes como A outra, a jovem Vitoria, a duquesa, entre outros, de jovens rainhas que se casam sem amor, tem reis que coabitam com elas de forma violenta e protocolar e se envolvem com amantes revolucionários, o longa tem o charme visual de um drama de época e inspira à medida que o expectador vê pessoas que quebram as normas de uma sociedade convencional e que buscam o amor, a liberdade e a justiça. No caso de Johann e Caroline, ambos são estrangeiros em um país que agora lhes é uma pátria. Muito mais do que uma história de traição e de amor, eles são o casal que se une por afinidades filosóficas e por uma nação melhor, ainda que tais ideais e comportamentos lhe tragam tragédias bem particulares, portanto, o que seria um simples roteiro mais do mesmo, torna-se um belo exercício de libertação por uma Dinamarca menos prosaica.

No decorrer da narrativa,  o qualidade do roteiro não deixa escapar os comportamentos típicos do período como manobras políticas, traições, separações, mortes, sexo, etc, assim como a vilania de bons coadjuvantes Juliane Marie (Trine Dyrholm), a madastra do rei, e  Ove (David Dencik), aristocrata religioso e maquiavélico que são responsáveis por tramar reviravoltas na história;  além do mais, o diretor garante cenas que são filmadas com beleza ímpar como a dança entre Caroline e Johann em um momento câmera lenta de sublime romantismo e  a cavalgada nos arredores da Casa Real quando começam a se conhecer e que os tira do aprisonamento das paredes que os cercam; porém o que agrega bastante valor à história é  unir o Rei Christian VII, sua esposa e o amante da esposa em uma relação próxima de amizade que, em dado momento do longa, coloca a liberdade  de ideias e as melhores condições ao povo acima dos dramas pessoais da realeza. Johann se torna o melhor amigo e conselheiro do Rei e, embora, ame Caroline, é possível perceber como a relação de ambos é verdadeira e como ele é sensível o suficiente para cuidar e gostar de um Rei insano.  Ainda que  haja em foco um amor proibido e uma infidelidade de um amigo e de um jovem esposa ao Rei, essa amizade coopera para aproximá-los e humanizá-los, afinal, há sentimentos que não podem ser contidos.

As atuações do trio são boas e harmônicas, mas não extraordinárias, com exceção da maturidade do ator Mads Mikkelsen, que é sempre um espetáculo à parte e é um ator símbolo do Cinema Dinamarquês. Mikkel Boe faz um papel de um rei bem abobalhado que arranca alguns risos, de uma forma mais forçada, por ele ser um rei muito imbecil para dirigir uma nação. Existem momentos que sua insanidade dá pena, por isso ele não é um rei tipicamente tirano. Sua atuação lhe rendeu, por incrível que pareça, um Berlinade de melhor ator em 2012. Dentro do contexto da história e dos personagens, a interpretação de Alicia Vikander tem solidez  e delicadeza para uma jovem rainha que precisa ser também discreta e contida, mas ela não é marcante e experiente em comparação a outras atrizes que poderiam exercer um papel dessa natureza. Ela não transparece muita personalidade  para representar um papel de mulher que trai o rei da Dinamarca e inicia mudanças para uma nação, além disso talvez outra atriz europeia tivesse mais química sexual com o charmoso  e experiente Mads Mikkelsen. Apesar dessas observações, a direção de atores é competente.

Como história de amor, O amante da Rainha é uma excelente opção de filme para emocionar por motivos idealistas como o amor, a liberdade e justiça.  É convidativo ver um casal que se ama e habita em um ambiente de aparências e de convencionalismo no qual não podem ficar juntos. As impossibilidades de uma relação são atemporalmente catárticas e emotivas. O Cinema é uma bela forma de representar esse tipo de drama que acometeu várias mulheres da realeza que se apaixonaram por homens intelectuais e libertários e muitas lágrimas e sangue foram derramados. O longa é um drama que, em seu desfecho, entrega a tragédia e a esperança, despertando sentimentos distintos de que o amor é transformador mas também trágico.

Ficha técnica do filme no ImDB

MaDame Series Opina
O momento fora de série
sobre Seriados de TV
por MaDame Lumière

Sobre Damages - 1ª Temporada:    Damages é uma série dramática criada em 2007, estrelada pela brilhante atriz Glenn Close, que faz o papel principal da renomada e inteligente advogada Patty Hewes, que tem um carater ambíguo que desperta admiração e ódio, e que atua de forma impiedosa e com pulso de ferro nas ações, visando também ganhos financeiros e meramente egocêntricos. De personalidade complexa e intrigante, a personagem de Patty é dona do Hewes & Associados, tem como parceiro o advogado Tom Shayes (Tate Donovan) e contrata a jovem advogada Ellen Parsons (Rose Byrne) para trabalharem no caso de representação coletiva de um grupo de funcionários contra o seu patrão Arthur Frobishe (Ted Danson), um bilionário executivo envolvido em corrupção, e representado pelo advogado Ray Fiske (Zejlko Ivanek). Na primeira temporada da série, há um misterioso assassinato que afeta tragicamente a vida pessoal de Ellen Parsons, além de outras mortes e variadas e duvidosas artimanhas que envolvem esse grupo em um crescente suspense de tirar o fôlego.


Opinião Geral:  Damages é uma série muito interessante porque demonstra os bastidores de casos na justiça que envolvem guerra de poder, dinheiro, egos e falcatruas. Através da difícil e ambígua protagonista Patty Hewes, representada brilhantemente por Glenn Close, e uma excelente coadjuvante, Rose Byrne, que perde a inocência à medida que interage nesse mundo que tem leis próprias, Damages é um ótimo suspense-drama que evidencia articuladas jogadas de réu, advogados e clientes e muita sujeira envolta de forma inteligente e  em sub-camadas das diversas personalidades em foco. As manobras e as atitudes são duvidosas e comprovam que ninguém é inocente e há muita falta de ética, ironicamente, por busca de uma "justiça" que adentra esferas pessoais e muito dramáticas. Como o próprio título da série antecipa, Damages danifica, de forma irreparável, as vidas ao longo desse processo jurídico.


Prós:  Atuação da atriz Glenn Close é sublime. Ela transparece a força e a ambiguidade da personalidade de Patty Hewes com vigor e é capaz de despertar sentimentos igualmente ambíguos no espectador. Sem dúvidas, ela é o carro chefe da série. Além disso, o elenco é muito bom com destaque para Rose Byrne e Zejlko Ivanek e a série tem um roteiro que cria crescente suspense e curiosidade pela conclusão dos fatos.


Contras: A marcação temporal da série com idas e vindas em flashbacks nem sempre necessários e até demasiados em alguns pontos da temporada.



Cena(s) imperdível(is):  Ellen Parsons correndo descalça no meio da rua, toda ensanguentada, arrasada e confusa. Ray Fiske na última visita ao escritório de Patty Hewes e a trágica resolução da cena.


Por que você deve assistí-lo?  Para ver como as personalidades do ser humano são dúbias e egóicas por natureza e para conferir a ótima atuação de Glenn Close em um personagem que é de difícil interpretação.

Até o próximo MaDame Series Opina
com outras grandes séries

Avaliação MaDame Lumière

Ficha técnica: http://en.wikipedia.org/wiki/Damages_(season_1)

            

 

 

Marco  Bellocchio aprecia a realização de um Cinema que aborda esferas políticas. Seu background pessoal tem militância comunista e ele é um partidário inclinado a alianças socialistas e libertárias. Em um país como a Itália, extremamente religioso e com o Vaticano como forte influência, o cineasta não deixa de abordar assuntos políticos que adentram esferas privadas. O seu mais recente filme, A Bela que dorme, indicado ao Leão do Festival de Veneza, trata de um assunto polêmico: a eutanásia, um tema muito mais controverso em um país que é Católico e no qual se questiona sobre o direito à morte. Inspirado na história verídica de Eluana Englaro, uma jovem que sofreu um acidente de carro e ficou 17 anos em permanente estado vegetativo. Seu pai lutou por diversas vezes com as autoridades Italianas para deixá-la morrer naturalmente, tirando-lhe o aparelho. Além do mais, o caso Englaro movimentou a nação, com posicionamentos da igreja Católica de que ela não era um vegetal e as "pérolas" do Primeiro Ministro Silvio Berlusconi de que ela "aparentava estar bem e bonita" e que "ainda poderia fazer nascer uma criança". A jovem acabou falecendo antes mesmo que uma lei sobre o tema fosse aprovada.

 

 

Para criar alguns pontos de vista sobre a eutanásia, o diretor que também assina o roteiro com Veronica Raimo e Stefano Rulli, cria personagens fictícios que estão relacionados ao direito à vida ou à morte sob diferentes ângulos. Com o histórico de uma esposa que dolorosamente sofreu antes de morrer e um segredo que ronda sua consciência,  Uliano Beffardi  (Toni Sevillo) é político, favorável pelo direito à morte e tem um relacionamento conturbado com a filha María (Alba Rochwacher), mais religiosa e problemática. Divina Madre, interpretada pela impactante presença da talentosa Isabelle Huppert, tem uma filha em estado vegetativo, que se alimenta por um tubo.  Sendo uma mulher endinheirada e com um estranho ego candidato à Santo, ela insiste em que a filha  viverá pela mão de Deus e tem conflitos com o outro filho. No outro núcleo, temos Rossa (Maya Sansa), uma bela mulher depressiva, psiquicamente problemática, adepta a cleptomania, a automutilação e propensa ao suicidio. Para ela a vida não tem qualquer valor. Ao conhecer o médico Pallido (Pier Giorgio Bellocchio, filho do cineasta), disposto a mantê-la sobre controle e obcecado por ela, Rossa tem uma chance de valorizar sua vida.

 

 

 

Mais uma vez, Bellocchio nos pincela  variadas dimensões da Itália, da política ao fanatismo religioso, passando pelo seu carater liberal e humanista. Ele somente pincela como colocar um mosaico à vista. Em todos os núcleos, os personagens lidam com o amor, a vida e a morte. Uliano está em um conflito a respeito de aprovação de uma liminar para seu partido enquanto pensa na filha. María se apaixona e começa a ver a vida com um outro olhar. Pallido, um médico que pela natureza de seu trabalho defende a vida, dessa vez, se encanta com uma paciente de atitudes autodestrutivas. Divina Madre parece se render e tirar sua casca  à medida que se confronta com a realidade de que há uma vida além de só estar ao lado da filha e de Deus. Todos os personagens tem  sentimentos diferentes e nisso está ainda o melhor do filme: a possibilidade do expectador observar e imaginar o que sentiria ou decidiria sobre a eutanásia; porém só isso não é suficiente. A Bella que Dorme abre espaço para a percepção de que faltou algo na orquestração de Bellocchio. Até mesmo personagens como o da magnífica Huppert, que ainda é um grande destaque, poderiam ter crescido com a narrativa e ingressando em lacunas bem polarizantes, de maior efeito dramático. Ele não quis desgastar o caso Englaro e tocar na ferida do país, muito menos, na de Berlusconi e do Vaticano.
 

 

 

O cineasta não se detém a polemizar exacerbamente o tema e está aí um dos  problemas do longa: Bellocchio só expõe a problemática e realiza um roteiro para que a narrativa ficcional seja compreendida no final. Ele não trabalha os conflitos de forma muito articulada e a impressão que dá é que foi convencional e evitou tomar algum partido. Apesar disso, o longa ainda possibilita o exercício do olhar, no mínimo, alusivo, para a reflexão de que a Eutanásia é uma escolha muito pessoal. Embora  Bellocchio não torne o longa muito político, um dos seus acertos é manter-se fiel a si mesmo. Ele desenvolve a sua tão excelente estética que mescla o verídico com o ficcional, usando como registro imagens históricas e midiáticas e uma edição recortada  por contextos sócio-políticos Italianos.  Nesse aspecto, o diretor exerce o seu habilidoso talento com um estilo muito pessoal e sabe trabalhar com a imagem, como já visto em ótimos trabalhos como Vincere, um dos seus melhores filmes.

 

 Ficha técnica no ImDB

Uma mentira cria consequências devastadoras na vida de uma pessoa. Mais devastadora é quando a mentira é sobre abuso sexual e vem da boca de uma criança de imaginação fértil em uma cidade pequena na qual todos se conhecem. Com esse dramático plot, o diretor Thomas Vinterberg retorna à cena cinematográfica com seu novo filme, A Caça, com o excelente Mads Mikkelsen no papel de Lucas, um professor de educação infantil em uma cidadezinha da Dinamarca, que mora sozinho, tem uma nova namorada e está em vias de conseguir a custódia do filho. Lucas tem carisma e um ótimo relacionamento com as crianças da escola dirigida por Grethe (Susse Wold), até o dia que a aluna Klara (Annika Wedderkopp), filha de seu melhor amigo Theo(Thomas Bo Larsen) decide contar uma mentira envolvendo pedofilia. A partir daí, a vida de Lucas se torna um pesadelo e seu mundo desaba. Perde o emprego, a namorada, amigos e a chance de morar com o filho Marcus. Sofre perseguições, calúnias e violências. Nessa caça, ele vira uma presa.

A direção continua com a mesma espontaneidade realista de boa parte dos filmes dinamarqueses que envolvem os dramas humanos. O ganho não é tanto a direção de Vinteberg, mas como o roteiro é decupado em um drama de um homem comum que vivencia um real calvário e é crucificado injustamente por todos aos seu redor. A narrativa é dramática pois é difícil reverter uma mentira séria. Aparentemente, não  há saída. A cidade é pequena, fria e com a mentalidade pequena das pessoas.  À medida que o filme avança com a acusação liderada pela diretora Grethe, uma mulher tradicional que não tenta nem ouvir o próprio funcionário, é possível observar que o carater de Lucas, como uma pessoa que cresceu e vive na cidade, não tem valor nenhum para essa sociedade atrasada. Os amigos estão bebendo e rindo em um dia, no outro dia, toda a história que Lucas construiu com essa comunidade não vale nada. Ele não tem o direito à palavra para os ex-amigos, a não ser que seja testemunhar para a polícia. Ironicamente, essa comunidade ouve suas crianças e acredita nas fantasias de todas elas, como se ele fosse o reú de abusos coletivos a várias crianças. Lucas é um solitário e, considerando que está em uma cidade pequena no fim do mundo Dinamarquês, ele só pode contar com o filho e com um amigo de mente mais esclarecida, o padrinho de Marcus.

A caça é um filme de Mads Mikkelsen. Ele está naturalmente dramático na dose certa. Sua atuação é incrível. Há muita humanidade em seu personagem. Ele tem momentos depressivos e de abandono, mas também enfrenta essa sociedade com coragem; basta observar duas das melhores cenas mais dramáticas: a sua ida ao supermercado e a sua ida à igreja. Na primeira, ele está impedido de comprar sua própria comida. Na segunda, ele está indo à missa de Natal, sozinho e sob os olhos de uma sociedade que o acusa e o rejeita. Apesar da humilhação, ele enfrenta aquela gente hipócrita com dignidade. Mads está plenamente brilhante nesses dois grandes momentos do filme. Ainda que seja o réu da cidade, pejorativamente acusado de tarado, Lucas é um homem de personalidade sem se afastar da vulnerabilidade provocada pela  situação delicada de sua atual condição. Outras variadas cenas interpretadas com a maturidade de Mads são uma exemplificação do talento desse ator, que representa o Cinema Dinamarquês com muita credibilidade a um nível global. Não a toa que ele ganhou o prêmio de melhor ator do Festival de Cannes de 2012 por essa atuação e está maravilhoso como um médico Iluminista em O amante da rainha, de Nikolaj Arcel, outro excelente filme Dinamarquês que está concorrendo a uma das vagas no Oscar. Thomas Bo Larsen, o ator mascote de Vinterberg, está ótimo como  Theo. Ele é o destaque dos coadjuvantes. Seu papel é muito dramático porque ele fica entre a cruz e a espada, entre duvidar da filha e acreditar no amigo (ou o contrário). A separação dos amigos tem certa nobreza e respeito pois se conhecem de longa data. Theo não deixa de ser uma esperança para que Lucas possa voltar e ser aceito por essa sociedade.  

No geral, A Caça é um ótimo filme. Desde o início, o público sabe que é uma mentira que destroe e mancha a vida de um homem íntegro. A força da palavra que mente é destruidora. Por outro lado, o longa proporciona analisar o comportamento das pessoas que criam uma bola de neve incontrolável, que derruba e fere. Ele leva a refletir como há pessoas que são acusadoras por natureza, sem se dar conta da seriedade de suas convicções, normalmente sem fundamentos e provas. Também leva a refletir que há crianças na contemporaneidade que pensam como adultos e que não são tão inocentes. Merece ser visto por ser um tema delicado que envolve a inocência de um homem perante uma acusação de abuso sexual e por ter a presença de Mads Mikkelsen. Merece ser visto para que seja notado que, mesmo em águas mais tranquilas, há manchas que nunca são apagadas e com as quais tem que se conviver.

Ficha técnica no ImDB