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Por Cristiane Costa,  Editora e Crítica de Cinema | Especialista em Comunicação e Projetos

O cinema feito em Pernambuco consolidou-se como a voz mais altiva e esteticamente arrojada do Brasil contemporâneo, destacando-se pela coragem de não silenciar as violências estruturais que ainda ressoam no país. Essa cinematografia entende que a história não pode ser apagada, mas deve ser recontada para que o passado deixe de ser um trauma oculto e passe a ser um território de enfrentamento. É nesse território que Letícia Simões insere sua obra, dialogando diretamente com essa escola de "filmar a ferida", bebendo da fonte de cineastas como Kleber Mendonça Filho, que em obras como O Som ao Redor já demonstrava como os fantasmas da nossa formação estão encrustados nas paredes de nossas casas.

A Vida Secreta de Meus Três Homens, dirigido por Letícia Simões, é uma investigação sensorial que utiliza o arquivo familiar para escavar as fundações violentas do Brasil. O longa, que transita entre o documentário e a fabulação, apresenta-se como uma peça fundamental para compreender o presente, não através de grandes eventos oficiais, mas pelas rachaduras na intimidade de três figuras masculinas: o avô, o pai e o tio da cineasta. Essa investigação se materializa na imersão da memória, evitando o maniqueísmo barato e propondo um mergulho na maturidade de uma direção que entende que a história de um país é, antes de tudo, a soma de seus silêncios domésticos e traumas hereditários.

Diretora Letícia Simões. Divulgação.

Essa imersão utiliza a imagem como dispositivo híbrido e essencial, funcionando como registro que resgata tanto o afeto quanto o apagamento. Ao interrogar fotografias e fragmentos de arquivos, o filme estabelece que a imagem é o território onde a história sobrevive à violência do esquecimento. Entretanto, essa escolha narrativa não busca o confronto direto ou a reprodução do ódio; pelo contrário, a decupagem nos convida a observar que a violência histórica não é um agente externo, mas algo que reside dentro da esfera familiar. É um exercício de transparência corajoso, onde a diretora não oculta as manchas de sua própria linhagem, mas as expõe para demonstrar como o segredo familiar é o primeiro estágio da amnésia coletiva de uma nação.

Para conduzir esse mergulho, a presença da narradora Nash Laila atua como uma ponte de dupla face, unindo o propósito coletivo à consciência individual. Ela exerce o papel de viabilizar a história de cada personagem, enquanto nos força a refletir sobre a nossa própria responsabilidade histórica. Ao lado dessa voz, o elenco masculino dá corpo à investigação de forma visceral: Guga Patriota interpreta o avô Arnaud, o adolescente envolvido com justiceiros; Giordano Castro encarna Fernando, o pai delator e colaborador da ditadura em sua vida itinerante; e Murilo Sampaio entrega uma performance sensível como Sebastião, o fotógrafo negro, gay e periférico.

Entre todos, é em Sebastião que o filme encontra sua dimensão mais pungente. Ao ganhar uma câmera, ele revela um potencial diferenciado, mas o longa deixa claro que a própria violência estrutural não o deixou em paz, espelhando a realidade de inúmeras pessoas colocadas à margem da pirâmide social no Brasil.

Na experiência com esse híbrido peculiar, contudo, o engajamento não é imediato, justamente por se recusar a entregar a violência de forma mastigada ou catártica. O filme exige do público uma postura de arqueólogo, acompanhando escolhas narrativas que tratam fantasmas como presenças que se recusam a dormir. A naturalidade com que Letícia Simões conduz a trama é, em si, uma escolha radical: ao não reproduzir o ódio que está no cerne da violência, ela permite que o espectador processe o desconforto de uma forma mais intelectual do que puramente visceral. Não se trata de despertar polos emocionais extremos, mas de oferecer um espelho honesto para a formação do caráter masculino brasileiro.

Essa recusa em simplificar culmina em um desfecho que consolida o longa como um estudo sobre a proximidade da barbárie, revelando que a violência pode habitar o rosto das pessoas que amamos. Ao responder à pergunta "Como chegamos ao Brasil de hoje?", o filme aponta para um cotidiano onde o horror é itinerante e doméstico, construído à custa de vidas como a de Sebastião. O desfecho gera angústia, mas sela o filme como um manifesto: reconhecer esses familiares é a primeira ruptura ética necessária para libertar a nós mesmos. Ao encarar esses fantasmas, que são pessoas comuns atravessadas pela violência humana e institucional, o longa se posiciona contra o silêncio, lembrando que em um país de retrocessos, a violência permanece à espreita dia após dia.

Imagens Embaúba Filmes: divulgação

 

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Por Cristiane Costa,  Editora e Crítica de Cinema | Especialista em Comunicação e Projetos

Salve Rosa, a nova e inquietante aposta da Netflix, utiliza o suspense psicológico para dissecar uma das patologias mais silenciosas da modernidade: a exploração da imagem infantil para o engajamento digital. O filme apresenta Rosa, vivida por uma Klara Castanho em uma performance madura e trágica, como uma influenciadora mirim cuja vida milimetricamente editada esconde um bastidor de dominação. O longa se destaca como uma obra necessária ao confrontar o público com o "horror do algoritmo", onde o afeto materno é substituído por métricas e a infância se torna um produto de luxo. É um alerta contundente sobre pais que, sob o pretexto de cuidado, sequestram a identidade dos filhos em prol de uma ascensão social narcísica e financeira.  

Essa crítica ao horror do algoritmo encontra sua tradução visual logo na abertura. O filme inicia de forma eficaz, construindo uma cenografia com paleta de cores de um universo totalmente fabricado para uma felicidade colorida e milimetricamente perfeita, como se fosse um cenário de boneca. Nesse ambiente, Rosa parece habitar duas personalidades distintas: a carismática "avatar" das redes sociais e a jovem introspectiva e estranha dentro de casa. Por trás dessa fachada colorida, surge a mãe, uma castradora dominadora que manipula a filha através de uma ideia deturpada de amor. Essa dinâmica evoca imediatamente casos reais de exploração parental, onde a criança deixa de ser sujeito para se tornar o motor de uma engrenagem de marketing familiar.

No decorrer da trama, a estranheza dessa mãe, interpretada pela visceral Karine Teles, intensifica o mal-estar. É nítido que ela não oferece detalhes de sua vida ou passado, mantendo uma névoa de mistério que serve para camuflar seu caráter dominador. Ao influenciar cada decisão de Rosa, a personagem de Teles personifica os pais que transformam a prole em moeda de troca para obter engajamento. Ela não apenas dita o comportamento da filha, mas molda a realidade para que os desejos da mãe prevaleçam, ecoando tragédias reais de exposição extrema que já chocaram o cenário brasileiro. 

 

Essa manipulação encontra seu ápice quando a dissimulação da vida perfeita nas redes sociais se torna o ponto onde o roteiro ataca com mais força. O grande plot twist dramático nasce justamente da lógica perversa do sucesso digital, que cria um verdadeiro horror nas relações entre explorador e explorado, neste caso, entre pais e filhos. A mãe, ao desfrutar de uma vida dupla, evidencia ser uma figura duvidosa, muito mais interessada no conforto e no luxo providos pela exposição do que na integridade emocional de Rosa. A vida de influenciadora infantil não é uma carreira escolhida, mas um destino imposto pelo oportunismo de quem deveria proteger.  

Enquanto a mãe performa essa máscara social, Rosa descobre a verdadeira face materna da pior forma possível. Sendo uma personagem trágica e solitária, com poucas amigas e nenhuma rede de apoio real, ela personifica a dependência absoluta dos mandos e desmandos maternos. O roteiro opta por uma narrativa aprisionante de terror psicológico, extremamente eficiente para a contemporaneidade, ao criticar a normalização dessas relações abusivas. O filme expõe como o abuso psicológico caminha lado a lado com a exploração financeira, transformando o lar em uma empresa onde o filho é o funcionário que não pode se demitir.  

Essa trajetória culmina em um desfecho punitivo que traz um peso frustrante, mas revela-se um recurso necessário para ilustrar o abismo ético no meio digital. O destino de Rosa serve como um alerta amargo sobre o apagamento da identidade de influenciadores mirins e adolescentes quando a vida é inteiramente aniquilada pelo espetáculo. Embora a injustiça prevaleça na lógica do algoritmo, o encerramento sela a crítica de que, em um mundo movido por curtidas, a integridade humana é ignorada em prol de uma narrativa fabricada. 

Ao apagar as luzes, Salve Rosa não é apenas um suspense, mas o retrato de um crime social: onde o brilho do sucesso digital é alimentado pelo sacrifício silencioso da vida privada e pela corresponsabilidade de um público que, ao consumir e aplaudir, torna-se cúmplice do sequestro de uma infância digitalmente roubada.

Imagens: Divulgação filme.

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Por Cristiane Costa,  Editora e Crítica de Cinema | Especialista em Comunicação e Projetos

Marty Supreme, dirigido por Josh Safdie, mergulha na trajetória excêntrica e obsessiva de Marty Reisman, o prodígio do tênis de mesa que transformou o pingue-pongue em um espetáculo de estilo e rebeldia nos anos 50. O longa surge como um dos competidores mais vorazes da temporada do Oscar, impulsionado por uma atuação de Timothée Chalamet que marca sua transição definitiva para a maturidade cênica. Longe da vulnerabilidade de seus papéis anteriores, Chalamet encarna um homem consumido pela ambição e por um narcisismo quase magnético, provando que domina a arte de interpretar personagens complexos que enxergam apenas o próprio umbigo enquanto o mundo ao redor orbita sua genialidade.  

Essa obsessão encontra seu reflexo na estética de Josh Safdie, marcada por sua câmera inquieta e autoral, que se revela o veículo perfeito para traduzir a urgência de uma vida pautada pelo imediatismo. Esse dinamismo visual não se limita a emular a velocidade da bolinha sobre a mesa; ele mergulha nos bastidores das artimanhas de Marty Reisman, capturando a essência de um homem que busca se dar bem a qualquer custo. Ainda que o estilo pulsante do cineasta prepondere sobre a narrativa tradicional, há uma simbiose rara entre a forma e o conteúdo: o ritmo frenético da edição e os ângulos agudos combinam perfeitamente com a personalidade de um protagonista que, claramente acelerado, desconhece limites para sua própria ambição.  

Se a forma visual é pulsante, o conteúdo encontra sua força na atuação de Chalamet. O filme pertence inteiramente a ele, que entrega uma performance de magnetismo raro, equilibrando-se com maestria no limite entre a atração e o rechaço. Ele não apenas dá vida a Marty Reisman; exerce uma força gravitacional que seduz o espectador enquanto exibe uma arrogância por vezes insuportável. Foi justamente nesse equilíbrio que residiu o acerto de sua escalação, rendendo-lhe o merecido Globo de Ouro de Melhor Ator em janeiro de 2026. Chalamet imprime uma densidade que compensa as oscilações do roteiro, especialmente quando a narrativa se afasta das competições de pingue-pongue para focar na busca obsessiva por dinheiro e status. Nesse sentido, o longa revela-se mais um estudo sobre a ambição como manobra de sobrevivência em um mundo hostil, priorizando a psique de um homem que usa seu talento como escudo e arma.  

Ao redor de Marty, as figuras femininas como Rachel (Odessa A'zion) e Kay Stone (Gwyneth Paltrow) surgem sob uma ótica predominantemente utilitária, movida pela paixão e pelo charme perigoso que ele emana. Elas são personagens articuladas em suas realidades sociais, mas acabam expondo suas vidas ao risco de escândalos ou sacrifícios matrimoniais para sustentar os caprichos de um homem que demonstra uma verve muito mais sexual e interesseira do que verdadeiramente amorosa. Essa dinâmica de conveniência acaba revelando as nuances mais sombrias do caráter de Reisman, utilizando a generosidade feminina como um espelho de sua própria desonestidade afetiva. No entanto, a força com que elas resistem e o auxiliam injeta na trama uma fagulha de esperança, sugerindo que, através desse contato com o feminino, Marty possa talvez vislumbrar a honestidade emocional que sua ambição desenfreada tenta sufocar.  

Se nas relações afetivas Marty revela sua desonestidade, na mesa de jogo a raquete e a bolinha transcendem o equipamento esportivo para se tornarem metáforas de uma busca incessante pela perfeição, mas, sobretudo, peças de uma obsessão perigosa. O filme nos coloca diante de um dilema instigante: é difícil discernir se a obstinação de Marty nasce de um amor genuíno pelo esporte ou de um efeito narcísico tão intenso que o jogo serve apenas como palco para seu próprio ego. Ao permitir que a ambição desenfreada tome as rédeas da narrativa, o longa se distancia dos clichês de superação e paixão comuns aos dramas esportivos tradicionais. Em vez de inspirar pela resiliência, a obra incomoda ao revelar como o talento pode ser sequestrado pela vaidade, transformando o que deveria ser um ato de entrega em um exercício de autoadoração que, muitas vezes, atropela a própria essência do jogo.  

Essa obsessão, que transcende o esporte, encontra eco no próprio roteiro. Diferente do que se poderia esperar de um épico de ação, o texto apresenta um engasgo proposital ao priorizar a psique de Marty e sua busca desenfreada por dinheiro em detrimento de um clímax esportivo tradicional. Ao trocar as partidas recorrentes por um cotidiano marcado pelo alpinismo social, o longa firma-se não como um filme sobre o esporte em si, mas como um estudo sobre a ambição usada como ferramenta de sobrevivência. É a atuação visceral de Chalamet que impede que o personagem se torne apenas um homem insuportável; ele nos mostra que essa arrogância é a armadura de alguém que optou pelo jogo para escapar da miséria. Embora o desfecho tente imprimir um tom de humanização, ele chega com a melancolia de algo que talvez tenha vindo tarde demais para uma redenção plena, deixando no espectador a impressão de que, na mesa da vida, Marty Reisman ganhou o mundo, mas perdeu o tempo de aprender a ser apenas humano.  

No fim, Marty Supreme é menos sobre pingue-pongue e mais sobre o preço da ambição quando o talento se torna refém do ego.