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Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

Há comédias românticas que são como amigos antigos: a gente nunca se cansa de reencontrar. Mesmo depois de 50 vezes, elas continuam dizendo algo sobre nós, sobre o que já vivemos ou sobre o que ainda desejamos amar. São histórias que nos fazem rir, suspirar e, às vezes, lembrar que o afeto pode estar nas pequenas coisas. Aqui deixo 10 comédias românticas que já fazem parte daquele acervo chamado coração. Leves, bem-humoradas e sempre prontas para mais uma sessão.

Prepare o sofá, o coração e aproveite cada reencontro.

💖O melhor amigo da noiva (Made of honor, 2008)

Uma comédia romântica que subverte o arquétipo masculino ao colocar o homem no papel da “madrinha”. Patrick Dempsey entrega charme e vulnerabilidade em uma história sobre o tempo certo do amor, com o risco de perceber tarde demais.

💞Assista se você acredita que amizade pode virar amor, mesmo quando tudo parece tarde demais.

💖De repente 30 (Going on 30, 2004)

Uma fábula pop sobre amadurecimento feminino que mistura inocência, nostalgia e crítica à cultura da performance. Jennifer Garner brilha como a mulher que descobre que crescer não é sinônimo de perder a ternura.

💞Assista se você sente saudade dos anos 80 e quer lembrar que crescer pode ser doce.

 

💖O casamento do meu melhor amigo (My best friend's wedding, 1997)

Julia Roberts em sua versão mais ambígua e humana, uma anti-heroína romântica que desafia o final feliz tradicional. Um clássico que mostra que o amor nem sempre é correspondido, e tudo bem.

💞Assista se você já amou alguém em silêncio e precisou aprender a deixar ir.

💖Amor a toda prova (Crazy, stupid, love, 2011)

Comédia romântica com alma de tragicomédia moderna. Entre recomeços, traições e encontros improváveis, o filme costura masculinidades em crise e afetos em reconstrução. Ryan Gosling e Emma Stone têm química de sobra. 

💞Assista se você gosta de histórias que misturam humor ácido com vulnerabilidade real.

💖Podres de ricos (Crazy Rich Asians, 2018)

Mais do que um conto de fadas asiático, é um manifesto visual sobre identidade, tradição e pertencimento. Glamour e crítica social se entrelaçam em uma narrativa que celebra o amor sem abrir mão da ancestralidade.

💞Assista se você quer romance com representatividade, luxo e conflitos familiares intensos.

 💖 Juntos pelo Acaso (Life as we know it, 2010)

O amor como construção cotidiana. Entre fraldas, luto e desencontros, dois estranhos descobrem que família também pode nascer do caos. Uma comédia romântica com alma de drama e coração de esperança.

💞Assista se você acredita que o amor pode surgir onde menos se espera, até entre fraldas.

💖Um lugar chamado Nothing Hill (Nothing Hill, 1999)

O amor entre mundos distintos, fama e anonimato, palco e bastidor. Hugh Grant e Julia Roberts vivem um romance delicado, onde o ordinário se encontra com o extraordinário e o afeto vence o espetáculo.

💞Assista se você sonha com um amor improvável, mas profundamente verdadeiro.

💖Muito bem acompanhada (The Wedding Date, 2005)

Uma mulher, um casamento e um acompanhante contratado. O que poderia ser apenas um clichê se transforma em uma jornada de autoconhecimento e desejo. Leve, elegante e com pitadas de ironia britânica.

💞Assista se você quer romance com charme britânico e uma dose de empoderamento feminino.

💖Do que as mulheres gostam (What women want, 2000)

Ao ouvir os pensamentos femininos, um homem é forçado a rever sua masculinidade. Uma comédia espirituosa que, mesmo datada em alguns aspectos, ainda provoca reflexões sobre empatia e escuta afetiva.

💞Assista se você quer rir e refletir sobre o que realmente significa entender o outro.

💖Vestida para casar (27 Dresses, 2008)

A eterna madrinha precisa aprender a ser protagonista da própria história. Entre vestidos, casamentos alheios e dilemas amorosos, o filme fala sobre autoestima, limites e a coragem de se escolher.

💞Assista se você já se sentiu coadjuvante na própria vida e quer mudar esse roteiro.

 

#Romance #ComédiaRomântica #Doramas #Relacionamentos #CinemaAsiático #CinemaSulCoreano #SatoCompany #Lançamentos 

Estreia nos Cinemas 13  de Novembro de 2025

#MaDameRecomenda

Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

Meu Pior Vizinho: A Parede, a Solidão e a Curadoria Coreana do Afeto 

 

Meu Pior Vizinho (My Worst Neighbor), dirigido por Lee Woo-chul, é uma comédia romântica coreana que funciona como um presente para quem aprecia doramas, mas possui um charme universal. O filme acompanha Lee Seung-jin (Lee Ji-hoon), um músico sonhador que se muda para um novo apartamento, e sua vizinha, Hong Ra-ni (Han Seung-yeon), uma designer reclusa, cujas crises emocionais e barulho atormentam a vizinhança. Por meio dessa situação cotidiana, dois vizinhos separados por uma parede constroem uma narrativa que revela como a solidão urbana é uma realidade silenciosa. A parede, como metáfora, é a fronteira física que precisa ser rompida para que o afeto e o humor possam criar uma nova história: mais afetiva e humana.

O filme injeta a sensibilidade e o humor das rom-coms coreanas por meio de uma diferença de ideias inicial, na qual os protagonistas travam uma pequena guerra. É uma dinâmica onde os opostos soltam faíscas, no entanto, a narrativa é inteligente ao, aos poucos, revelar suas vulnerabilidades e necessidades mais profundas, garantindo que ambos estabeleçam uma conexão que pode ou não dar certo. A talentosa designer Hong Ra-ni carrega traumas relacionados ao trabalho, enquanto o acessível Lee Seung-jin, amado pelos amigos, busca na música uma forma de afirmação pessoal. Ao invadirem, voluntária ou involuntariamente, o mundo um do outro, o filme justifica a busca humana por afeto por meio dos conflitos profissionais e emocionais típicos do K-drama.

A obra consegue ser leve e bem-humorada, ao mesmo tempo que traz traços importantes da cultura sul-coreana com bastante sensibilidade. A trama usa a pressão e a competitividade profissional para dar profundidade ao drama pessoal. Nesse contexto, o trabalho não é apenas uma ocupação: é fonte de identidade, status e pertencimento. O amor, então, surge como força capaz de redefinir o que é sucesso, equilibrando ambição com necessidade de conexão.

A química da dupla é construída, paradoxalmente, a partir da parede, como um verdadeiro “Casamento às Cegas” doméstico, onde a intimidade nasce sem contato visual. O sensorial do cotidiano, o choro, a música, os sons, se torna elo de construção de confiança e empatia. Os personagens são autênticos, bem-humorados e ácidos quando precisam ser, o que garante boas risadas e torna a torcida pelo encontro absolutamente inevitável.

A narrativa demonstra perspicácia ao lidar com a moralidade da intromissão, tratando-a como um acordo empático. De certa forma, a obra sugere que, se o ser humano fosse um pouco mais aberto, talvez muitas paredes poderiam ser como pontes antes de serem derrubadas. Essa flexibilidade de deixar o orgulho e a raiva de lado pode ser um caminho para a conexão, embora o filme reconheça que nem sempre essa abertura é possível. A metáfora da parede se estende às relações virtuais, onde muitos se escondem atrás de telas por medo ou falta de responsabilidade emocional. O longa propõe que agir com sinceridade, mesmo sem revelar tudo, é uma forma respeitosa de criar vínculos. O barulho do vizinho, que deveria ser um obstáculo, se torna antídoto à solidão moderna, provando que a vulnerabilidade é o canal mais eficiente para o afeto.

Meu Pior Vizinho merece nota alta por ser um filme cheio de humor, leveza e afeto. Sua força está em humanizar a solidão, mostrando que ela existe mesmo entre pessoas bem-sucedidas. Em um mundo competitivo e incerto, que valoriza performance e oferece relações líquidas e vazias, o filme traz uma perspectiva crucial: ser vulnerável com a pessoa certa é um voto de confiança e respeito. A obra nos lembra que, para construir relações saudáveis, é preciso respeitar os espaços e os silêncios, que dizem muito e ajudam a estabelecer limites. A contribuição duradoura do filme é essa: a parede se torna símbolo de uma sociedade que vive no ruído, no distanciamento e na autocobrança, mas que precisa de escuta, confiança e vulnerabilidade para se respeitar e começar a romper as barreiras.

Imagens: Divulgação Sato Company. 

 

Filme exibido na Mostra SP 

MaDame indica para estreia, prevista em 15 de Janeiro de 2026

  

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Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

O Beijo da Mulher Aranha

 Entre a Cela e o Palco: a Liberdade que Canta

O filme O Beijo da Mulher Aranha (Kiss of the Spider Woman, 2025) surge como uma grata surpresa na Mostra SP, uma daquelas obras que não se impõem pelo buzz do mainstream, mas que revelam a verdadeira magia do cinema pelas mãos do diretor Bill Condon. O longa dialoga com a política, a sociologia, o drama e a história da arte, entregando uma beleza singular. Ele mescla a escuridão e a opressão da cela onde estão o preso político Valentín e o vitrinista Molina, e cria uma alternância ambiental com um musical de cores saturadas e lindamente coreografado, encabeçado por Jennifer Lopez. Este espetáculo não apenas fortalece a referência da literatura argentina de Manuel Puig, mas se estabelece como um poderoso ato de resistência da arte, existencial e coletiva, contra toda forma de opressão.

Esta é uma ousada reinterpretação de um clássico. A obra nasce do pungente romance argentino O Beijo da Mulher-Aranha, de Manuel Puig (1976), mas abraça o formato musical da Broadway. O diretor Bill Condon é o nome ideal para essa transposição, dada sua expertise no gênero, roteirista de Chicago, diretor de Dreamgirls. A escalação de um elenco com forte identidade latina é estratégica. Diego Luna confere autoridade ao preso político Valentín, e a exuberante performance de Jennifer Lopez (que também é produtora executiva) como a diva Ingrid Luna/Mulher-Aranha presta homenagem às estrelas latinas da era de ouro de Hollywood. A presença de Tonatiuh (ator mexicano-americano e não-binário) como Molina injeta uma autenticidade queer crucial. Vale ressaltar que a produção executiva conta ainda com nomes como Ben Affleck e Matt Damon, reforçando o peso de Hollywood por trás da narrativa de Puig. Essa intersecção de talentos e referências eleva a obra a um patamar de reivindicação cultural e estética.

O filme acerta ao usar o star power de seu elenco para reivindicar mais espaço e capital na indústria. Essa parceria de atores, que romperam barreiras de exclusão e sub-representação, consegue injetar recursos em uma superprodução híbrida que discute política, diversidade, mercado, história e memória, tudo através da arte e do storytelling musical. O êxito dessa estratégia brilha na visibilidade. Além disso, a complexidade queer e política não é sacrificada, pois Diego Luna e Tonatiuh estão deslumbrantes como amigos de cela que constroem uma confiança e um amor belíssimos. É o tipo de interpretação que os torna pessoas vulneráveis, mas que, ao sonhar, despertam o último fio de esperança. A personagem Molina é particularmente magnífica na interpretação de Tonatiuh, que demonstra uma generosidade e empatia acima da média.

O filme, como produto musical, equilibra as pontas de forma notável. É político sem ser pedante e tem forte alicerce no amor, no desejo e na coragem de lutar pelo que nos abraça. A linguagem musical imprime paixão, desejo e o risco de morte. A ponte criada por Molina, o contador de histórias, que conecta a miséria da cela ao luxo de um salão de baile, é fascinante. A justaposição de Ingrid Luna (J.Lo), deslumbrante e maquiada, com o cheiro fétido de Valentín, é a beleza corajosa de Condon, que usa o contraste antagônico como um poderoso mecanismo de resistência da arte. O musical, portanto, funciona como um convite ao público para se tornar o colega de cela de Valentín e Molina, ouvindo e sentindo a narrativa onde o amor é o prêmio em jogo.

Essa simbiose, contudo, decai ligeiramente em algumas transições. O filme não consegue sustentar o equilíbrio simbiótico dos dois mundos. Em um momento, Valentín mal consegue se limpar; no outro, Armando, o personagem da fantasia, está sensualmente bailando. Essa ambivalência, embora seja um traço do sonho, cria uma falta de profundidade em conhecer cada um dos personagens. O foco excessivo na mise en scène e no espetáculo visual deixa Valentín como o personagem que menos se desenvolve dramaticamente, enquanto Molina desponta com uma sustentação central, entregando a alma da obra.

O filme, no final, é um testemunho corajoso do poder da arte sobre a opressão. Bill Condon acerta ao nos convidar a sermos cúmplices desse ato de resistência, provando que, mesmo nos cenários mais sombrios, a fantasia é a última fronteira da liberdade. Um bravo à direção e ao elenco, especialmente a Jennifer Lopez, Tonatiuh e Diego Luna.

(3,5)

 

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Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

DJ Ahmet: O Preço da Liberdade  e a Arquitetura Poética da Subversão 

O longa-metragem de estreia do diretor Georgi M. Unkovski, DJ Ahmet (DJ Ahmet, 2025), emerge no cenário da 49ª Mostra SP como uma joia rara do cinema da Macedônia do Norte. Ambientado em um vilarejo rural da minoria étnica Yuruk, o filme mergulha no conflito geracional e cultural de Ahmet, um garoto de 15 anos dividido entre as rígidas expectativas de seu pai, ligadas ao pastoreio e à tradição, e seu sonho pulsante de se tornar um DJ de música eletrônica. Vencedor do Prêmio do Público e do Prêmio Especial do Júri em Sundance, a obra estabelece um diálogo profundo e sensível sobre identidade, tecnologia e o alto custo da autenticidade em um mundo dominado pelo patriarcado.

O diretor Georgi M. Unkovski ancorou o clássico conflito do primeiro amor proibido e o choque de gerações por meio de uma parceria juvenil de grande autenticidade. O filme nos apresenta o triângulo de afetos entre o DJ Ahmet (Arif Jakup), a jovem Aya (Dora Akan Zlatanova), obrigada a um casamento arranjado, e Naim (Agush Agushev), o gracioso irmão mais novo de Ahmet, cujo silêncio é contagiante e apoiador. O embate central é estabelecido entre os jovens e a estrutura patriarcal que os cerca: enquanto se apaixonam e se apoiam em suas subversões artísticas, a música de Ahmet e a dança de Aya se tornam a linguagem comum de resistência. O fato de a mãe falecida de Ahmet ser uma amante da música adiciona um ingrediente emocional poderoso, mostrando que a arte é o elo capaz de superar a rigidez do patriarcado e a dor do luto.

A personagem de Aya é, inegavelmente, a força motriz e a alma subversiva do filme. Ela transcende o clichê da garota romântica: não é apenas a jovem que conquista o DJ, mas a figura que o encoraja e inspira a buscar a criatividade e alternativas para a subversão. Por meio dela, Ahmet se arrisca a conectar a rigidez do pastoreio com os encontros musicais.

O filme, no entanto, é perspicaz ao diferenciar as figuras paternas. O pai de Ahmet é um senhor endurecido pelo luto e focado na solidão e na venda de queijo, e embora seja rígido e, por vezes, grosseiro com o filho, ele surpreende em um dado momento com um toque de humanidade. Já o pai de Aya é nitidamente o conservador que negocia o destino da filha em um casamento arranjado, motivado puramente por posses e dinheiro. Aya, com sua bagagem de internet e música eletrônica, serve como um poderoso vetor da modernidade, introduzindo a dança e o techno na rigidez do vilarejo. Essa representação da arte e da tecnologia como ferramentas de libertação é o que torna o filme tão relevante para a pauta de inovação e cultura dos festivais internacionais.

A eficácia do filme reside em sua abordagem técnica para o protagonista. Ahmet é o DJ deslocado do meio urbano: ele não remixa, não possui equipamentos sofisticados nem recursos. No entanto, sua determinação em buscar alternativas o torna, de fato, um DJ. Nesse cenário, o desenho de som investe em uma arquitetura peculiar, mesclando músicas modernas com sons orgânicos do vilarejo — o balido das ovelhas, a sonoridade do templo religioso e a pulsação da tecnologia. O contraste criado é potente, permitindo que o mundo interior e escapista de Ahmet se mescle com o mundo exterior e realista. O diretor Georgi M. Unkovski amplifica essa dualidade utilizando planos cômicos e técnicas de câmera que revelam Ahmet em momentos de reflexão ou de fuga, como se estivesse em um sonho, reforçando a natureza escapista de sua arte.

DJ Ameht se revela uma joia rara: simples, eficaz e arrebatadoramente poético. O cineasta Georgi M. Unkovski constrói duas tensões que, ao invés de se anularem, coexistem: a necessidade de expressão, linguagens e autenticidade da geração jovem e o desafio da geração mais antiga de acolher essa nova identidade. O longa demonstra que há espaço tanto para o rompimento subversivo com a tradição quanto para o afeto acolhedor da família, provando que a tradição só permanece quando há amor. Em essência, a obra é sobre identidade, mas também sobre a coexistência: o amor pela família e o amor pela arte podem dialogar. Ao colocar o protagonista no dilema de seguir seu sonho, o filme reafirma que a barreira pode ser rompida, pois o mundo é global e as culturas — mesmo as mais isoladas — estão prontas para o diálogo.

Com este filme, Georgi M. Unkovski não apenas oferece um olhar autêntico sobre a Macedônia do Norte e a diáspora cultural Yuruk, mas também entrega uma ode à coragem juvenil. DJ Ahmet é um lembrete contundente de que a revolução pessoal acontece com os fones de ouvido e o volume no máximo, desafiando a ordem ancestral com o ritmo incontrolável do techno. DJ Ahmet é, afinal, a arquitetura poética da liberdade.

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Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

Um Mundo Triste e Belo: O amor como ruína e resistência em um país à beira do colapso

O cinema, em seu poder de transcender o caos, oferece narrativas que nos lembram da persistência do afeto em cenários hostis. O filme libanês Um Mundo Triste e Belo (A Sad and Beautiful World), destaque na Mostra SP e indicado oficialmente pelo Líbano ao Oscar 2026 na categoria de Melhor Filme Internacional, é dirigido por Cyril Aris em sua estreia na direção de um longa-metragem de ficção. Protagonizado por Ziad Bakri e Yumna Marwan, o filme encarna uma das mais belas e dolorosas histórias de amor contemporâneas.

O filme adota, inicialmente, um estilo que mescla o cômico e o romântico, fundado na premissa de um casal que parece predestinado. Com cenas de nascimento, infância e reencontro, essas imagens iniciais evocam emulações poéticas e documentais. Essa escolha narrativa, embora inusitada, revela-se uma estratégia extremamente eficaz. Ela cativa o público, despertando o interesse imediato por essa história que nem os escombros e o luto do Líbano conseguem destruir. O romance funciona como um gancho envolvente, preparando o espectador para a gravidade que se insinua sob a superfície.

Como em grandes histórias de amor, as tensões surgem com o tempo e a diferença de propósitos. O casal se distingue claramente em suas ambições: Yasmina é mais emancipada e global, manifestando o desejo de construir carreira no exterior; Nino é o empreendedor local, dedicado ao restaurante herdado dos pais e ao cuidado do avô. Essa disparidade ressoa profundamente nos papéis de gênero de culturas mais tradicionais, e o dilema da migração se torna a grande metáfora para a lealdade à pátria.

De fato, a sociedade libanesa ainda concede importantes liberdades individuais. O filme utiliza essa esfera para expor, com delicadeza e arte, cenas de beijos e desejo, tudo enquadrado em uma esfera cinematográfica poética. O fato de a protagonista questionar o casamento, a maternidade, a carreira e o próprio papel social já é, por si só, um ato de emancipação muito bem-vindo e universal para o cinema.

O amor cósmico é, na verdade, um recurso narrativo único, cheio de coragem e poesia, para conectar o afeto à realidade. O ponto de resistência no filme é, ironicamente, tradicional e motivado pelo alicerce familiar. Eles não estão apenas apaixonados, eles se curam mutuamente das ausências parentais, Nino, órfão de pais, e Yasmina, com a ausência do pai que construiu outra família na Alemanha. O relacionamento deles é real, poético, melancólico e, por vezes, divertido, mas é a base de lealdade e empatia desde a infância que o sustenta.

O filme intensifica a tensão ao colocar Yasmina diante de uma segunda, e ainda mais decisiva, escolha de emigração (entre o Líbano e Dubai). Essa dupla provação sobre a permanência eleva o drama ao mostrar que o amor deles é um teste contínuo. Sua união de virtudes supera a infelicidade e a vontade de partir, provando que, no Líbano em colapso, o amor não é apenas um sentimento, mas o supremo ato de resistência contra a destruição.

Na segunda metade do filme, o ritmo perde um pouco do fôlego, mas essa lentidão faz total sentido, pois é quando os problemas reais, como a economia do país e o dilema do casamento, entram em mais um período de travessias e superações. Nem tudo é riso como no começo do longa, e ainda que o público possa sentir uma diferença de cadência, o filme é autêntico e muito bonito. A direção e o elenco orquestram com precisão a harmonia entre o amor e a dor, a permanência e a partida, e os dilemas que surgem nessa travessia.

O filme não é indeciso em seu tom, mas nos mostra que conversas difíceis precisam acontecer. A obra capta com honestidade o grande paradoxo da vida em crise: o desejo é ir embora, mas a alma sente a necessidade de permanecer. A união de virtudes de Nino e Yasmina supera a vontade de partir. Assim como o título, o mundo é triste, mas é também belo, e traduz perfeitamente essa história de amor em um Líbano que é muito mais que um lar, é uma memória afetiva do que é bom e do que é injusto. A obra inscreve a universalidade no coração, despertando empatia sem fronteiras.

Fonte foto poster: Imdb Gionarte degli autori. Fotos do filme para divulgação na Mostra SP