Lançamento nos Cinemas 28 de Maio.

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Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

A contemporaneidade parece ter nascido sob o signo da fricção constante, e nada ilustra melhor essa tensão do que o espaço compartilhado. Ao confrontarmos a série Os Outros, criada por Lucas Paraizo, com o filme argentino O Homem ao Lado, dirigido por Mariano Cohn e Gastón Duprat, percebemos que a ficção funciona como tradução de uma realidade crua: a perda do senso de coletivo e a incapacidade crônica de lidar com a alteridade. Ambas as obras utilizam o microcosmo da vizinhança para diagnosticar uma sociedade polarizada, onde a vigilância e o medo não são apenas mecanismos de defesa, mas sintomas de uma profunda decadência humana.

Em O Homem ao Lado, o roteiro expõe a arquitetura da arrogância. Leonardo (Rafael Spregelburd), representante da elite intelectual e estética, utiliza o distanciamento como forma de sabotagem social. O incômodo com o vizinho Victor (Daniel Aráoz) revela um comportamento passivo-agressivo que mascara uma intolerância profunda. O prestígio e a posição social funcionam como barreiras para evitar o contato com o que é visto como inferior. O desfecho do longa, marcado por uma crueldade que beira o gratuito, sugere que, para essa elite, eliminar o outro é mais palatável do que conceder espaço a um diálogo genuíno.

Foto: Divulgação.

Por sua vez, em Os Outros, a narrativa ganha elasticidade para explorar como a violência cotidiana escala até atingir limites morais perigosos. A primeira temporada estabelece um vigor impressionante, destacando o papel abusivo do personagem de Milhem Cortaz, cuja presença intensifica a atmosfera de tensão, e a atuação experiente de Adriana Esteves, que sustenta boa parte da trama. A segunda temporada traz o destaque de Eduardo Sterblitch, cujo Sérgio passa de miliciano a vereador, expondo a corrosão das instituições e da convivência.

Já a terceira encontra frescor na atuação de Lázaro Ramos como Roberto, um homem desligado após anos de dedicação a uma empresa e que não encontra exatamente o sossego em uma casa de campo, enquanto a presença marcante de Docy Moreira como Dona Domingas reforça a densidade dramática desse arco. O núcleo de personagens como Cibele (Adriana Esteves) e Marcinho (Antonio Haddad) pode soar por vezes exaurido, mas a série sobrevive pela força de sua tese: a falência da empatia transforma qualquer condomínio em um campo de batalha.

Nesse sentido, a aproximação entre os roteiros culmina no reconhecimento de que a violência não se restringe ao dano físico ou ao grito; ela se manifesta na desumanização do próximo. Seja no luxuoso condomínio Barra Diamond ou em uma casa de design em La Plata, o oponente é sempre aquele que invade nossa bolha de conforto. Essa intolerância, no entanto, transborda os limites da vizinhança. Ela se manifesta no desrespeito ao espaço coletivo no cinema e no barulho invasivo em restaurantes ou no transporte público. É o retrato de uma sociedade de performance que, ao focar excessivamente em si, perdeu a visão periférica necessária para a convivência.

Foto: Divulgação. 

Além da força narrativa, é importante observar a dimensão estética dessas obras. Em O Homem ao Lado, a escolha da casa projetada por Le Corbusier como cenário não é mero detalhe arquitetônico: ela simboliza a rigidez modernista e a exclusão, funcionando como metáfora visual da barreira entre Leonardo e Victor. A arquitetura, nesse caso, se torna personagem, reforçando a crítica social embutida no filme e ampliando a leitura sobre como o espaço físico molda relações humanas.

Outro ponto relevante é o impacto cultural. Os Outros provocou debates sobre violência urbana e convivência em condomínios, aproximando-se da realidade brasileira de forma visceral e cotidiana. Já O Homem ao Lado foi celebrado internacionalmente por sua originalidade e ironia, inserindo-se na tradição argentina de usar o humor ácido para expor desigualdades. Ao trazer essas recepções, percebemos que não se trata apenas de narrativas ficcionais, mas de espelhos que devolvem ao público sua própria incapacidade de conviver com a diferença.

Ao final, o que essas obras nos deixam é um sentimento doloroso, porém necessário. Nesse contexto, dialogando com conceitos de modernidade líquida, percebemos que os vínculos humanos se tornaram tão frágeis quanto as paredes que separam os apartamentos. A crítica não é apenas sobre o que acontece na tela, mas sobre como estamos nos tornando incapazes de escutar, compreender e validar a experiência alheia. Tanto o cinema argentino quanto a produção brasileira servem como alertas urgentes: se não recuperarmos a capacidade de enxergar o outro, o desfecho será sempre a autodestruição silenciosa do nosso tecido social.

3,5

 

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Lançamento nos Cinemas: 16 de Abril

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Lançamento nos Cinemas: 02 de Abril

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Por Cristiane Costa,  Editora e Crítica de Cinema | Especialista em Comunicação e Projetos

O cinema feito em Pernambuco consolidou-se como a voz mais altiva e esteticamente arrojada do Brasil contemporâneo, destacando-se pela coragem de não silenciar as violências estruturais que ainda ressoam no país. Essa cinematografia entende que a história não pode ser apagada, mas deve ser recontada para que o passado deixe de ser um trauma oculto e passe a ser um território de enfrentamento. É nesse território que Letícia Simões insere sua obra, dialogando diretamente com essa escola de "filmar a ferida", bebendo da fonte de cineastas como Kleber Mendonça Filho, que em obras como O Som ao Redor já demonstrava como os fantasmas da nossa formação estão encrustados nas paredes de nossas casas.

A Vida Secreta de Meus Três Homens, dirigido por Letícia Simões, é uma investigação sensorial que utiliza o arquivo familiar para escavar as fundações violentas do Brasil. O longa, que transita entre o documentário e a fabulação, apresenta-se como uma peça fundamental para compreender o presente, não através de grandes eventos oficiais, mas pelas rachaduras na intimidade de três figuras masculinas: o avô, o pai e o tio da cineasta. Essa investigação se materializa na imersão da memória, evitando o maniqueísmo barato e propondo um mergulho na maturidade de uma direção que entende que a história de um país é, antes de tudo, a soma de seus silêncios domésticos e traumas hereditários.

Diretora Letícia Simões. Divulgação.

Essa imersão utiliza a imagem como dispositivo híbrido e essencial, funcionando como registro que resgata tanto o afeto quanto o apagamento. Ao interrogar fotografias e fragmentos de arquivos, o filme estabelece que a imagem é o território onde a história sobrevive à violência do esquecimento. Entretanto, essa escolha narrativa não busca o confronto direto ou a reprodução do ódio; pelo contrário, a decupagem nos convida a observar que a violência histórica não é um agente externo, mas algo que reside dentro da esfera familiar. É um exercício de transparência corajoso, onde a diretora não oculta as manchas de sua própria linhagem, mas as expõe para demonstrar como o segredo familiar é o primeiro estágio da amnésia coletiva de uma nação.

Para conduzir esse mergulho, a presença da narradora Nash Laila atua como uma ponte de dupla face, unindo o propósito coletivo à consciência individual. Ela exerce o papel de viabilizar a história de cada personagem, enquanto nos força a refletir sobre a nossa própria responsabilidade histórica. Ao lado dessa voz, o elenco masculino dá corpo à investigação de forma visceral: Guga Patriota interpreta o avô Arnaud, o adolescente envolvido com justiceiros; Giordano Castro encarna Fernando, o pai delator e colaborador da ditadura em sua vida itinerante; e Murilo Sampaio entrega uma performance sensível como Sebastião, o fotógrafo negro, gay e periférico.

Entre todos, é em Sebastião que o filme encontra sua dimensão mais pungente. Ao ganhar uma câmera, ele revela um potencial diferenciado, mas o longa deixa claro que a própria violência estrutural não o deixou em paz, espelhando a realidade de inúmeras pessoas colocadas à margem da pirâmide social no Brasil.

Na experiência com esse híbrido peculiar, contudo, o engajamento não é imediato, justamente por se recusar a entregar a violência de forma mastigada ou catártica. O filme exige do público uma postura de arqueólogo, acompanhando escolhas narrativas que tratam fantasmas como presenças que se recusam a dormir. A naturalidade com que Letícia Simões conduz a trama é, em si, uma escolha radical: ao não reproduzir o ódio que está no cerne da violência, ela permite que o espectador processe o desconforto de uma forma mais intelectual do que puramente visceral. Não se trata de despertar polos emocionais extremos, mas de oferecer um espelho honesto para a formação do caráter masculino brasileiro.

Essa recusa em simplificar culmina em um desfecho que consolida o longa como um estudo sobre a proximidade da barbárie, revelando que a violência pode habitar o rosto das pessoas que amamos. Ao responder à pergunta "Como chegamos ao Brasil de hoje?", o filme aponta para um cotidiano onde o horror é itinerante e doméstico, construído à custa de vidas como a de Sebastião. O desfecho gera angústia, mas sela o filme como um manifesto: reconhecer esses familiares é a primeira ruptura ética necessária para libertar a nós mesmos. Ao encarar esses fantasmas, que são pessoas comuns atravessadas pela violência humana e institucional, o longa se posiciona contra o silêncio, lembrando que em um país de retrocessos, a violência permanece à espreita dia após dia.

Imagens Embaúba Filmes: divulgação

 

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Lançamento de 11 de Dezembro #ImagemFilmes 

Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

O lançamento de Traição Entre Amigas (2025) traz uma estratégia que vai além do apelo comercial imediato. Ao reunir Larissa Manoela e Giovanna Rispoli, o longa capitaliza a lealdade de uma base fiel de fãs que cresceu junto com as atrizes, ao mesmo tempo em que lhes propõe um necessário desafio de maturidade. Para o diretor Bruno Barreto, o cinema é, essencialmente, uma investigação sobre o comportamento humano, o que justifica sua conexão com a obra de Thalita Rebouças. Celebrando 25 anos de carreira, a autora enfatiza que sua parceria com Barreto floresceu pela recusa a visões simplistas; em suas histórias, as pessoas acertam e erram na mesma medida, refletindo a fragilidade da condição humana.  

Para Larissa Manoela, que celebra duas décadas de trajetória, o projeto surge como um marco de validação em territórios decisivos de sua atuação, explorando a humanidade, a feminilidade e uma sensualidade madura. Já para Giovanna Rispoli, encontrar sua personagem foi fundamental para lidar com a complexidade da figura feminina, permitindo-lhe investigar nuances intensas e perturbadoras. Ambas as protagonistas são apresentadas de forma humanizada, onde o erro é compreendido como parte intrínseca da travessia. Essa honestidade narrativa retira o filme do campo das lições de moral e o coloca no território da vivência real e da autodescoberta.  

Foto Acervo MaDame: Coletiva de imprensa  do filme

A dinâmica de amadurecimento ganha uma camada extra de tensão com a presença de Gabriel, interpretado por André Luiz Frambach. Vivendo um personagem mentiroso e machista, o ator constrói um tipo que desperta confiança e repulsa simultaneamente, evidenciando o papel pedagógico do cinema ao expor as engrenagens de amores tóxicos para o público jovem adulto. Ao moldar o papel com valores opostos à sua postura real, Frambach expõe o perigo dos sedutores manipuladores. O elenco é ainda fortalecido por nomes de diferentes gerações, como Guenia Lemos, Otávio Linhares, Dan Ferreira, Gabrielle Joie e Pedro Colombelli, que conferem sensibilidade e solidez ao tom contemporâneo da obra.  

 Escritora Thalita Rebouças completa 25 anos de carreira. Foto divulgação.

Embora o filme mantenha uma doçura pop, as performances assumem uma crueza necessária ao lidar com a dor da separação e os limites das escolhas. A obra equilibra o entretenimento com a realidade ao abordar a sexualidade e os novos vínculos que surgem, como o envolvimento da personagem de Larissa Manoela com a figura vivida por Nathalia Garcia. Além disso, a presença de Emanuelle Araújo, no papel de mãe, consolida um ambiente familiar que precisa processar as transformações dessas novas fases. O roteiro evita o moralismo, focando na quebra abrupta gerada por mágoas que resultam em um afastamento essencial para o crescimento individual.  

Foto pré-estreia. Divulgação.

A geografia do filme atua como elemento narrativo estratégico através da escolha de Curitiba e Nova York como eixos centrais. Bruno Barreto subverte a expectativa visual convencional ao retratar Curitiba em um inverno frio e monocromático, aproveitando o rigor estético de locais como o Teatro Guaíra, a Ópera do Arame e o tradicional trajeto de trem para Morretes. Essa inversão climática, onde o cenário brasileiro assume o frio enquanto o verão floresce no exterior, foge dos clichês geográficos habituais. Esse frescor confere ao longa uma identidade estética mais autoral e sofisticada, próxima de obras que buscam romper com o senso comum e elevar a produção para além do nicho comercial.  

Elenco de muito talento e conexão. Foto Acervo MaDame: Coletiva de imprensa  do filme

Em última análise, a direção de Bruno Barreto conecta de forma harmoniosa o amadurecimento do elenco às complexidades das relações femininas, historicamente marcadas por tensões e competições. No filme, a traição deixa de ser um fatalismo para se tornar um episódio de evolução, sugerindo que a lealdade mais profunda deve começar em nós mesmos. Ao focar nos processos individuais de amores e dores, a narrativa aproxima o espectador de uma experiência empática e autêntica, oferecendo uma mensagem positiva sobre a necessidade de seguir em frente para alcançar uma versão melhor de si.

(3,5)

Imagens. Divulgação Imagem Filmes e Acervo pessoal Coletiva de imprensa.