Lançamento nos Cinemas: 01 de Abril

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Estreia nos Cinemas 13  de Novembro de 2025

Belo Horizonte, Salvador, São Paulo e Vitória

Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

LAR: A Nobreza do Tema e o Desafio da Consolidação Narrativa 

 

O Documentário LAR, que retrata o cotidiano de famílias LGBTIAPN+ através da perspectiva de seus filhos e filhas, desempenha papel essencial ao iluminar realidades silenciadas e combater a ignorância. Nesse sentido, a proposta de LAR é um retrato necessário para a sociedade, abrindo espaço para discussões educacionais e jurídicas que ainda carecem de representatividade no cinema brasileiro. O acerto do filme está em estabelecer uma conversa honesta e bem cotidiana, incluindo o exemplo do diretor. Embora a proposta seja potente e necessária, sua realização como obra cinematográfica enfrenta obstáculos que comprometem parte de sua força. A costura narrativa se revela frágil diante da complexidade do tema, com dificuldades em consolidar a totalidade da sua potência: manifestadas na distribuição desigual do tempo de tela para cada família, na fluidez da montagem, que não convida à imersão esperada, e na abordagem breve de subtemas que mereciam maior aprofundamento.

O filme demonstra acerto ao apresentar uma diversidade de realidades na adoção, desde a experiência do diretor até o cotidiano das outras famílias, trazendo relatos honestos sobre abandono, rejeição e os desafios envolvidos. As cenas que utilizam a perspectiva das crianças e adolescentes são, de longe, as mais engajadoras, pois eles carregam o repertório vivido do recomeço na vida familiar. Contudo, em diversas passagens, a narrativa arrisca-se a manter certo distanciamento do cotidiano dos lares. Isso se deve à montagem, que provoca cortes abruptos e abala a estrutura narrativa e o ritmo. A consequência direta é que a experiência do público pode ser comprometida: mesmo com a duração de 76 minutos, o filme não alcança uma imersão suficiente para o aprofundamento das histórias. Não se trata de exigir um tom didático, mas sim de reconhecer que a fluidez ausente compromete a conexão emocional esperada.

O diretor Leandro Wenceslau opta por entrelaçar sua jornada pessoal com o cotidiano das famílias, uma escolha que, em tese, poderia fortalecer a busca por pertencimento, mas que, na prática, não resultou em um produto coeso. Os diferentes círculos de convivência e as narrativas não são suficientemente desenvolvidos, diluindo o foco narrativo. Infere-se que, se o diretor tivesse se mantido como um pesquisador empático, utilizando sua experiência de forma mais distanciada, talvez houvesse mais tempo e clareza para consolidar as outras realidades. De certa forma, a sinceridade de Leandro Wenceslau ao expor questões familiares pode ter impactado o resultado final, gerando uma honestidade que, paradoxalmente, o faz questionar a própria obra. O cinema também é aprendizado: há espaço para que ele continue explorando o tema, observando que a técnica narrativa, diferentemente da intenção, interfere diretamente no sucesso de um documentário. A fotografia do filme, por exemplo, é um ponto bem trabalhado e pode impulsionar novas e mais bem-sucedidas produções.

O filme é inegavelmente afetuoso em determinados círculos, como nas cenas mais naturalistas de convivência familiar, mas ainda carece de equilibrar a celebração dos afetos com a exposição dos conflitos. O material é rico, com potencial para explorar os bastidores e os desafios da adoção no Brasil para famílias LGBTIAPN+, mas a forma como foi montado prejudica a fluidez. Isso torna o envolvimento orgânico com o tema desafiador, pois o espectador, que nem sempre conhece a complexidade da adoção, é mantido à distância das dores e dos obstáculos. O documentário se contenta em mostrar a camada visível dos afetos, mas perde a oportunidade de alcançar a profundidade da denúncia social e das lutas jurídicas, limitando o seu impacto final.

Apesar dos desafios na costura narrativa, o valor de LAR como registro histórico essencial é inegável no cinema brasileiro contemporâneo sobre o tema da adoção em famílias LGBTIAPN+. O filme abre um espaço crucial para novos realizadores e cumpre um papel na formação do cidadão de forma transversal, uma vez que o tema engloba não apenas os afetos familiares, mas todo o ciclo de desafios em instituições como a escola, o sistema jurídico e a sociedade civil. É nesse ponto que a experiência prévia de Leandro Wenceslau, que valoriza o cinema com jovens e crianças e possui formação em audiovisual, reforça sua qualificação para evoluir e consolidar suas narrativas em futuros documentários. Por sua importância como documento, LAR é um filme que merece ser prestigiado, reforçando que o tema exige conhecimento, experiência e aprofundamento contínuos.

Imagens: Divulgação Embaúba Filme. Fotos para veiculação do lançamento.

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Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

Um Mundo Triste e Belo: O amor como ruína e resistência em um país à beira do colapso

O cinema, em seu poder de transcender o caos, oferece narrativas que nos lembram da persistência do afeto em cenários hostis. O filme libanês Um Mundo Triste e Belo (A Sad and Beautiful World), destaque na Mostra SP e indicado oficialmente pelo Líbano ao Oscar 2026 na categoria de Melhor Filme Internacional, é dirigido por Cyril Aris em sua estreia na direção de um longa-metragem de ficção. Protagonizado por Ziad Bakri e Yumna Marwan, o filme encarna uma das mais belas e dolorosas histórias de amor contemporâneas.

O filme adota, inicialmente, um estilo que mescla o cômico e o romântico, fundado na premissa de um casal que parece predestinado. Com cenas de nascimento, infância e reencontro, essas imagens iniciais evocam emulações poéticas e documentais. Essa escolha narrativa, embora inusitada, revela-se uma estratégia extremamente eficaz. Ela cativa o público, despertando o interesse imediato por essa história que nem os escombros e o luto do Líbano conseguem destruir. O romance funciona como um gancho envolvente, preparando o espectador para a gravidade que se insinua sob a superfície.

Como em grandes histórias de amor, as tensões surgem com o tempo e a diferença de propósitos. O casal se distingue claramente em suas ambições: Yasmina é mais emancipada e global, manifestando o desejo de construir carreira no exterior; Nino é o empreendedor local, dedicado ao restaurante herdado dos pais e ao cuidado do avô. Essa disparidade ressoa profundamente nos papéis de gênero de culturas mais tradicionais, e o dilema da migração se torna a grande metáfora para a lealdade à pátria.

De fato, a sociedade libanesa ainda concede importantes liberdades individuais. O filme utiliza essa esfera para expor, com delicadeza e arte, cenas de beijos e desejo, tudo enquadrado em uma esfera cinematográfica poética. O fato de a protagonista questionar o casamento, a maternidade, a carreira e o próprio papel social já é, por si só, um ato de emancipação muito bem-vindo e universal para o cinema.

O amor cósmico é, na verdade, um recurso narrativo único, cheio de coragem e poesia, para conectar o afeto à realidade. O ponto de resistência no filme é, ironicamente, tradicional e motivado pelo alicerce familiar. Eles não estão apenas apaixonados, eles se curam mutuamente das ausências parentais, Nino, órfão de pais, e Yasmina, com a ausência do pai que construiu outra família na Alemanha. O relacionamento deles é real, poético, melancólico e, por vezes, divertido, mas é a base de lealdade e empatia desde a infância que o sustenta.

O filme intensifica a tensão ao colocar Yasmina diante de uma segunda, e ainda mais decisiva, escolha de emigração (entre o Líbano e Dubai). Essa dupla provação sobre a permanência eleva o drama ao mostrar que o amor deles é um teste contínuo. Sua união de virtudes supera a infelicidade e a vontade de partir, provando que, no Líbano em colapso, o amor não é apenas um sentimento, mas o supremo ato de resistência contra a destruição.

Na segunda metade do filme, o ritmo perde um pouco do fôlego, mas essa lentidão faz total sentido, pois é quando os problemas reais, como a economia do país e o dilema do casamento, entram em mais um período de travessias e superações. Nem tudo é riso como no começo do longa, e ainda que o público possa sentir uma diferença de cadência, o filme é autêntico e muito bonito. A direção e o elenco orquestram com precisão a harmonia entre o amor e a dor, a permanência e a partida, e os dilemas que surgem nessa travessia.

O filme não é indeciso em seu tom, mas nos mostra que conversas difíceis precisam acontecer. A obra capta com honestidade o grande paradoxo da vida em crise: o desejo é ir embora, mas a alma sente a necessidade de permanecer. A união de virtudes de Nino e Yasmina supera a vontade de partir. Assim como o título, o mundo é triste, mas é também belo, e traduz perfeitamente essa história de amor em um Líbano que é muito mais que um lar, é uma memória afetiva do que é bom e do que é injusto. A obra inscreve a universalidade no coração, despertando empatia sem fronteiras.

Fonte foto poster: Imdb Gionarte degli autori. Fotos do filme para divulgação na Mostra SP

 

Estreia nos Cinemas - 16 de Outubro.

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Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

Adoção, Coragem e Lealdade: O Voo Emocional de Bico Dourado

A animação é um terreno fértil para aproximar crianças e suas famílias dos valores universais que cooperam para uma educação mais dialógica, sem esconder, contudo, que a lealdade e o amor nem sempre vêm de quem se espera.

Entre Penas e Bicadas (GoldBeak, 2023), a nova animação dirigida por Nigel W. Tierney (Shrek Para Sempre, Kung Fu Panda 3) chega da China para conquistar os espectadores com o carisma de uma águia que amadurece mesmo em meio à memória de um luto sobre o qual ele não sabia a real verdade.

Criado entre galinhas, Bico Dourado acredita não saber voar.

Ao lado de sua irmã Catraca, ele embarca em uma jornada até Bird City, onde começa a desvendar o mistério de seu nascimento. Lá, encontra familiares, descobre verdades ocultas e se vê diante de uma batalha histórica entre águias e galinhas, uma metáfora clara sobre pertencimento, identidade e escolhas que moldam o futuro.

Com codireção de Dong Long e roteiro assinado por Robert N. Skir, Jeff Sloniker e Vivian Yoon, a animação aposta em uma narrativa acessível, com ritmo ágil e personagens que se comunicam bem com o público infantil. A dublagem brasileira com João Vitor Mafra, Sicília Vidal e Marco Antônio Abreu reforça o envolvimento emocional, enquanto as vozes originais, incluindo David Henrie e Valkyrae na versão norte-americana, ampliam o alcance internacional da produção. É um elenco plural que empresta vida e textura aos personagens, permitindo que a história ganhe camadas afetivas e reverberações globais.

O que emociona na trajetória de Bico Dourado é perceber que seu pertencimento não nasce de laços sanguíneos, mas de uma rede de afetos construída por galinhas que o acolheram como filho. Na lógica da história, essas aves são vistas como simples, terrenas, até subestimadas, enquanto as águias brilham em sua elegância, riqueza e imponência. Mas é justamente nesse contraste que a metáfora ganha força: não importa a origem, nem o prestígio que ela carrega. O que realmente importa é o vínculo genuíno que conseguimos cultivar. Bico Dourado foi amado por quem estava presente, por quem cuidou, por quem ofereceu afeto, a essência do que a vida deveria ser.

A beleza da história reside justamente nesse processo de transformação, ainda que o bom embalo e a agilidade da animação acabem acelerando o amadurecimento de Bico Dourado. De uma águia medrosa e insegura, ele se torna uma figura potente, movida pela busca da verdade e pela coragem de enfrentar o que foi ocultado. Sua trajetória é marcada por lealdade, e só isso já valeria o ingresso. Mas há mais: Bico Dourado é também um personagem encantador, com carisma e doçura suficientes para conquistar o público desde os primeiros minutos. Ele é, sem dúvida, muito fofinho e isso também importa.

Visualmente, a animação é vibrante e colorida, com cenários que misturam fantasia e natureza em proporções encantadoras. Embora o roteiro siga uma estrutura clássica de jornada do herói, ele acerta ao tratar temas como luto, adoção, pertencimento e coragem com delicadeza. A relação entre Bico Dourado e Catraca é o coração da história, uma irmandade que resiste às adversidades e que, mesmo em meio a revelações difíceis, se mantém como porto seguro.

No conjunto, a animação funciona como uma fábula moderna: leve, divertida e com espaço para reflexões. Ideal para sessões em família, o filme convida o público a pensar sobre o que nos define, e sobre como, às vezes, é preciso voar para longe das certezas impostas para encontrar a verdade que mora dentro de nós.

 

Estreia nos Cinemas - 16 de Outubro.

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Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

O Enigma das seis lâminas e o desafio da imersão cultural

Inspirado por dois mestres do mistério, Arthur Conan Doyle e Edogawa Rampo, Detetive Conan: O Pentagrama de Um Milhão de Dólares reafirma o fôlego de uma das franquias mais longevas e queridas da animação japonesa. Misturando ação, investigação e aquele charme peculiar dos animes clássicos, o longa não apenas honra suas raízes como também conquista novos públicos com uma trama envolvente e visualmente vibrante.

Em 2024, o filme se tornou o maior sucesso de bilheteria no Japão, ultrapassando marcas expressivas e arrecadando cerca de R$500 milhões, superando inclusive grandes produções internacionais. Agora, com estreia prevista para 16 de outubro nos cinemas brasileiros, a expectativa é que esse fenômeno cultural reverta essa força para cá, conquistando fãs e curiosos com sua narrativa pulsante e estética refinada.

A trilha sonora, por sua vez, também desempenha um papel essencial na construção da identidade da franquia. O tema principal, “Soshisoai”, é interpretado por Aiko — cantora nascida em Suita, Osaka, cuja trajetória artística começou ainda na juventude, quando compunha ao piano e se apresentava em festivais estudantis. Com formação musical sólida e passagem pelo rádio antes de ser descoberta por uma gravadora, Aiko é hoje uma artista reconhecida nacionalmente. Sua participação marca a primeira colaboração com Detetive Conan, e sua voz imprime delicadeza e força emocional à narrativa, o que amplifica o vínculo afetivo com o público.

A distribuidora Sato Company, responsável por trazer o filme ao Brasil, tem se destacado por uma curadoria afiada nas animações asiáticas. Mais do que uma escolha pontual, esse movimento revela um posicionamento mercadológico claro: valorizar produções orientais e ampliar o repertório cinematográfico disponível nas salas brasileiras. Em tempos de cartazes saturados por fórmulas repetidas, apostar em narrativas investigativas vindas da Ásia é também um gesto de coragem, uma forma de oxigenar a experiência do público e democratizar o acesso a outras formas de fazer cinema.

Em meio aos ventos gelados de Hakodate, o filme desenha uma narrativa que gira em torno de um tesouro ancestral, cobiçado, protegido e envolto em segredos que atravessam gerações. O roubo de espadas raras, ligadas à família Onoe, acende o mistério que une Conan e Heiji em uma investigação que vai muito além da superfície.

Entre torneios de kendo, espadachins mascarados e confissões amorosas que tropeçam na própria timidez, o enigma das seis lâminas se revela como a chave para uma disputa que envolve honra, legado e ambição. O longa transforma o suspense em uma dança entre passado e presente, onde cada pista é uma peça de um quebra-cabeça histórico que pulsa com urgência e beleza.

Como produção audiovisual, O Pentagrama de Um Milhão de Dólares é tecnicamente impecável. A animação carrega o legado de 27 filmes anteriores e reafirma uma identidade visual e narrativa já consolidada. Há uma reverência clara ao Kendo, arte marcial japonesa que não apenas compõe o pano de fundo da trama, mas também reverbera valores como disciplina, coragem e honra — pilares que dialogam com o espírito investigativo do filme. A presença de clubes estudantis que praticam o Kendo reforça esse vínculo cultural, enquanto o roteiro se desdobra com um elenco amplo, reunindo figuras queridas como Heiji, Conan e o enigmático Kid Fantasma.

Para os fãs da franquia e do universo anime, o longa entrega agilidade, lógica e vínculos afetivos, costurando histórias pessoais e rivalidades em uma investigação que pulsa com intensidade. No entanto, para quem não está familiarizado com esse universo tão específico da cultura pop japonesa, o filme pode soar hermético e desafiador. A narrativa se apoia em múltiplas camadas investigativas que se entrelaçam com rapidez, exigindo atenção constante e uma predisposição para acompanhar deduções que, por vezes, surgem com urgência e certa confusão.

O envolvimento emocional, ainda assim, é facilitado pelo carisma dos personagens e pela estética própria da animação japonesa — que carrega, em si, um emaranhado de emoções que vão do amor juvenil à busca por justiça. Mas a multiplicidade de personagens e desdobramentos acelerados pode dificultar uma conexão mais profunda, especialmente para quem não acompanha a franquia com regularidade.

É bem provável que, para quem mergulha com profundidade na franquia ou está inserido na cultura japonesa, cada cena de Pentagrama de Um Milhão de Dólares reverbere como um presente. Fica a provocação: embora não seja necessário conhecer inteiramente uma cultura para se encantar com um filme estrangeiro, a narrativa precisa oferecer caminhos de acesso. Em alguns fragmentos, o longa dificulta essa imersão — não por falta de competência ou potência, mas por estar profundamente enraizado em um universo próprio.

O sucesso estrondoso no Japão e a marca de 38 milhões de visualizações globais na Netflix confirmam sua força. Mas também evidenciam que nem todo fenômeno local se traduz com igual intensidade fora de sua origem.

De certa forma, este é um fã service de grande diversão. Como animação internacional, talvez um roteiro com mais ganchos emocionais pudesse facilitar o espelhamento com públicos diversos. Ainda assim, cada experiência com o cinema é subjetiva e única. E esta, sem dúvida, é uma produção de primeira grandeza — que será acolhida em diferentes níveis de satisfação, inclusive no meio termo, por quem ainda está descobrindo os encantos e complexidades do universo dos animes.