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Estreia oficial nos Cinemas Brasileiros: 20 de Novembro de 2025 

Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

 Wicked - parte 2: A Revolução da Amizade e o Final Agridoce de Oz 

 

Em tempos em que o espetáculo da fantasia disputa espaço com a política da imagem, Wicked 2 encerra a saga das bruxas de Oz com um olhar sombrio e provocador. Elphaba, vivida por Cynthia Erivo, carrega o peso de ser demonizada, enquanto Glinda, interpretada por Ariana Grande, ascende como símbolo glamouroso da Bondade em um reino corroído por manipulação e poder. Entre amizade e ruptura, o destino de Oz se desenha em um confronto que promete marcar a cultura pop. O filme chega hoje, 20 de novembro, aos cinemas, estreia oficial e a certeza de que lágrimas de muita emoção irão rolar.  

A dualidade entre Bruxa Má e Bruxa Boa é uma construção manipulável armada pela própria Oz e pela cegueira do povo, que escolhe suas crenças em meio a uma intensa política da imagem. Enquanto verdades são ocultadas, Elphaba se vê diante de escolhas que a aproximam novamente de Glinda. Nesse percurso, surge também o Mágico de Oz, vivido por Jeff Goldblum, cuja presença reforça a manipulação política que permeia o reino. O vínculo cultivado na Parte 1 avança aqui, e Glinda terá a chance de provar se sua lealdade é verdadeira. A satisfação emocional é atingida porque a principal torcida do público é pelo afeto e pela justiça em Oz. Elphaba, nesse panorama, emerge como protagonista coerente e justa, portadora de sabedoria e humildade. 

Esse vínculo emocional encontra eco na visão estética de Jon M. Chu. O filme, na essência, é muito mais sobre magia e a jornada da amizade do que sobre a perseguição de um ideal político. Wicked 2 amadurece a ideia de que nem tudo é perfeito e que escolhas difíceis são feitas por um bem maior. Os arcos dramáticos de Elphaba e Glinda são mais maduros, e os números musicais contornam essa vulnerabilidade da amizade. É difícil para Glinda abrir mão da vaidade e ambição, e para Elphaba, da raiva diante da injustiça. Para Jon M. Chu, a estética política se conecta intimamente à evolução dos dramas pessoais. O drama individual é o sopro vital que faz a estética excepcional respirar, provocando comoção e adoração por este belo blockbuster.  

Se os dramas pessoais respiram intensidade, os antagonistas, por outro lado, carecem de força. O núcleo antagonista não gera o impacto esperado em Parte 2, principalmente com Madame Morrible, papel de Michelle Yeoh, mais apagada do que sua contraparte teatral. Essa fragilidade deixa a desejar na tensão do conflito, que poderia ser mais profundo e intrigante. A história possui uma excelente camada ética e um núcleo afetivo globalmente querido, mas os antagonistas acabam decepcionando. Como consequência, o que sustenta a força da Parte 2 são as protagonistas, os musicais e os efeitos visuais, e não o roteiro em si. Ainda assim, há revelações inesperadas no núcleo afetivo que ampliam a tensão entre as protagonistas, mantendo o público atento às surpresas.  

Em comparação com a primeira parte, Wicked 2 se destaca pela maturidade das personagens e pela forma como o afeto estabelecido anteriormente se mantém vivo. O fechamento pode soar mais afetivo do que ativo, privilegiando a emoção em vez da ação. Essa escolha dá ao filme um tom mais íntimo, ainda que linear. Por outro lado, os antagonistas e a metalinguagem com O Mágico de Oz aparecem de maneira sutil e pouco explorada, funcionando quase como coadjuvantes menores. Em certos momentos, até figuras secundárias, como o macaco voador, parecem mais interessantes do que o próprio Mágico ou Madame Morrible, evidenciando que a força da narrativa repousa sobretudo nas protagonistas e em sua amizade.  

As cenas mais espetaculares de Wicked 2 dão protagonismo a Elphaba, à tensão romântica com Fiyero, vivido por Jonathan Bailey, e à amizade com Glinda, ora mergulhadas em sombras, ora iluminadas pela grandiosidade da tecnologia que expande a magia de Oz. A paleta de cores das protagonistas permanece fiel, reforçando suas identidades visuais, enquanto o CGI, sobretudo nos animais, por vezes soa artificial. Ainda assim, apoiado pela triunfante trilha sonora, o aspecto teatral se funde ao cinema com qualidade e entretenimento, criando uma experiência que equilibra o lirismo dos palcos com a imersão da tela grande. 

A trilha sonora é, inegavelmente, a força magistral que amarra o filme, injetando mistério, épico e afetividade. O poder da música de Stephen Schwartz é sentido especialmente nos números que celebram o poder crescente de Elphaba e o laço de amizade com Glinda. Canções como “For Good”, que sela esse sentimento de afeto, são utilizadas para o clímax emocional da narrativa. A cinematografia de Jon M. Chu amplifica a intensidade teatral desses hinos e reimagina as canções, fazendo com que atinjam impacto lírico ainda maior na tela grande e honrando a força emocional dos palcos.

Wicked 2 dialoga diretamente com o público jovem, em uma era em que a aparência e a projeção de imagens nas redes sociais definem valor e status. A obra expõe como a política da imagem pode transformar indivíduos em símbolos, julgando quem não se encaixa nos padrões como sem importância. Ao mesmo tempo, como obra universal, o filme fala sobre amizade e segunda chance, lembrando que a verdadeira força não está na superfície, mas na capacidade de olhar além das aparências e reconhecer o afeto como revolução.  

Na cabine, a reação foi marcada por aplausos e lágrimas, confirmando que Wicked 2 é um cinema de afeto. Apesar do olhar crítico sobre técnica e estética, a verdade é que o filme conquista pelo coração. O espetáculo pode ser analisado em sua grandiosidade visual e musical, mas o que permanece é a emoção compartilhada, a sensação de que Oz não é apenas um reino fictício, mas um espaço de identificação coletiva. Nesse sentido, a técnica cinematográfica se torna secundária diante da força do vínculo humano que a obra desperta. 

Wicked 2 é corajoso em seu questionamento sobre o mal e o revisionismo histórico. O filme finaliza com uma polêmica sutil, pois mesmo no auge da sabedoria, Elphaba parece não escapar da política da imagem. O desfecho sugere que, apesar da luta, o mundo continuará exigindo a dualidade. Embora esse final possa soar conformista, ele é profundamente realista e agridoce. A mensagem final é a coragem de questionar narrativas estabelecidas, aceitando que a luta contra o julgamento superficial é contínua e que a justiça nem sempre se revela de forma evidente.  

Imagens. Divulgação Universal Pictures.

 

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Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

 Wicked - parte 1: A Maldição da Cor e a Redefinição do Bem na Fábula Política de Oz 

 

No Wicked – Parte 1 não é apenas um sucesso de bilheteria global; é um fenômeno que redefiniu a temporada de premiações. A ambiciosa adaptação de Jon M. Chu conquistou o prêmio de Maior Realização Cinematográfica e de Bilheteria no Globo de Ouro 2025 e garantiu 10 indicações ao Oscar, incluindo categorias de destaque como Melhor Filme e Melhor Atriz para a aclamada Cynthia Erivo. Ao quebrar recordes e conquistar prestígio tanto da crítica quanto da Academia, a narrativa revisionista do universo de Oz se consolida como um marco cultural, elevando ainda mais a expectativa em torno de sua análise.

A continuação, Wicked – Parte 2, tem estreia confirmada nos cinemas brasileiros para 20 de novembro de 2025, prometendo concluir a saga com ainda mais grandiosidade e emoção. A Parte 1 prepara esse terreno ao deixar em aberto os dilemas éticos e afetivos que definem o destino de Oz, especialmente no arco de Elphaba.

É um deleite quando um musical desafia a tradição maniqueísta do bem e do mal, infundindo representatividade e densidade dramática na tela grande. Wicked – Parte 1 insere-se no cânone de O Mágico de Oz justamente ao questionar a história oficial, recentrando a narrativa na jornada da futura Bruxa Má do Oeste. No centro dessa revolução moral está Elphaba (Cynthia Erivo), que, por ter a pele verde, ser desprezada pelo pai e estar fora do padrão da ambiciosa e privilegiada Glinda (Ariana Grande), é vítima de bullying e perseguição. Sua essência, no entanto, é de uma ética pessoal e coletiva inabalável. Com essa história inspiradora, o conceito de “bem” e “mal” é drasticamente reconfigurado: aqueles tidos como “bons”, Glinda, o Mágico de Oz e outros, revelam facetas de maldade e manipulação. Assim, Wicked nos convence de que Elphaba é a verdadeira luz e a bússola moral de Oz.

A força motriz do filme reside na potência vocal e na química complexa da dupla central. Cynthia Erivo (Elphaba) e Ariana Grande (Glinda) funcionam tão bem por serem estrelas de primeira grandeza na música e na interpretação teatral. Erivo entrega a alma do filme: é uma atriz de grande força de caráter e tão expressiva que seus olhos estabelecem um diálogo direto com o público. Sua personagem vive na tensão constante entre a genialidade/força e a vulnerabilidade/rejeição externa, mas Erivo lhe confere uma natureza empática e profundamente humanizada. 

Ariana Grande, por outro lado, está confortável em sua popularidade, mas revela-se essencialmente uma garota frágil e insegura, ciente de que não possui o talento inato de Elphaba. Essa inveja sutil a leva a certas atitudes, inclusive a uma aproximação que revela intenções ambíguas. O musical, com suas vozes poderosas (muitas cantadas ao vivo), mantém a energia de uma amizade que poderia ser plena, mas que é constantemente ameaçada pelas perspectivas e personalidades antagônicas. O que mais incomoda é a percepção de que, apesar de toda a doçura e delicadeza da atriz, Glinda nunca se revela plenamente confiável.

Jon M. Chu, que já havia se destacado em Podres de Ricos ao levantar questões de preconceito social na elite, se confirma como uma ótima escolha para a direção de Wicked. Ele transforma o musical em um espetáculo cinematográfico que celebra a diversidade, um tema crucial para a narrativa: o elenco abraça a pluralidade de forma consciente e simbólica, começando pela atriz negra Cynthia Erivo, a atriz malaia/chinesa Michelle Yeoh (Madame Morrible) e a inclusão da irmã de Elphaba, Nessarose (vivida por Marissa Bode), em um papel de pessoa com deficiência (cadeirante). O elenco de coadjuvantes e figurantes é propositalmente amplo e diverso, o que é fascinante. O diretor explora cenários oníricos e mágicos, com um uso de cores que se comunica diretamente com a dualidade central: o rosa vibrante de Glinda versus o verde único de Elphaba. 

A presença de uma escola de feitiçaria evoca um universo próprio, com ecos da estrutura de Harry Potter, e cumpre a função de incluir a magia que, para a sociedade em geral, é vista como algo subversivo ou demoníaco. Assim, o filme constrói uma arquitetura de representatividade que se impõe como um dos pilares do filme e, ironicamente, ressalta a exclusão de Elphaba. Ela é, no geral, sozinha; nem mesmo as aproximações de Glinda e Madame Morrible são integralmente confiáveis. Apenas Fiyero (Jonathan Bailey) consegue vê-la e acolhê-la sem o julgamento inerente à cor de sua pele.

Com relação à narrativa, a duração da Parte 1 é, de fato, extensa, sendo mais recomendada para quem já aprecia o gênero musical em sua totalidade. Parte dos números musicais são mais ambientais e relacionais como: festas, apresentações escolares e interações cotidianas, concedendo um espaço mais amplo para os coadjuvantes. Contudo, os momentos mais emocionantes envolvem a amizade entre Elphaba e Glinda, justamente nos instantes em que elas se aproximam e se diferenciam. Sem dúvidas, “Defying Gravity” é o momento de ápice emocional e funciona perfeitamente como espetáculo cinematográfico, alinhando o arco dramático entre o sonho (expectativa) e o pesadelo (realidade) de Elphaba na Cidade Esmeralda.

Wicked – Parte 1 ganhou admiradores, emocionou fãs e também encontrou recepção crítica dividida, o que valida a diversidade de fruição e recepção da obra por cada espectador. Enquanto parte da crítica se manteve cautelosa, o público abraçou a obra com entusiasmo, especialmente pela força simbólica de Elphaba como figura de resistência. A transposição do palco para o cinema preserva a essência do musical original, mas Jon M. Chu imprime uma linguagem visual que amplia o alcance emocional da história.

Como espetáculo visual, é muito bonito, e como narrativa política em um universo musical cinematográfico, resulta em um belo e emocionante blockbuster. Exatamente porque o cerne do filme fala sobre valores inegociáveis: respeito pela diferença, defesa da liberdade de ser e de escolher a verdade, e a busca pela integridade. Ao abordar a destruição dos animais, o preconceito contra quem é diferente (a pele verde de Elphaba) e a manipulação de pessoas que só desejam poder e ambição, Wicked – Parte 1 é muito mais do que um musical: é uma fábula política de aceitação e ética coletiva. Elphaba é uma personagem espetacular que não se vende ao sistema contaminado, mas que buscará seus sonhos com a consciência da verdade. Ela tem a clarividência de uma bruxa honesta e que honra o seu talento para o bem.

 

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Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

DJ Ahmet: O Preço da Liberdade  e a Arquitetura Poética da Subversão 

O longa-metragem de estreia do diretor Georgi M. Unkovski, DJ Ahmet (DJ Ahmet, 2025), emerge no cenário da 49ª Mostra SP como uma joia rara do cinema da Macedônia do Norte. Ambientado em um vilarejo rural da minoria étnica Yuruk, o filme mergulha no conflito geracional e cultural de Ahmet, um garoto de 15 anos dividido entre as rígidas expectativas de seu pai, ligadas ao pastoreio e à tradição, e seu sonho pulsante de se tornar um DJ de música eletrônica. Vencedor do Prêmio do Público e do Prêmio Especial do Júri em Sundance, a obra estabelece um diálogo profundo e sensível sobre identidade, tecnologia e o alto custo da autenticidade em um mundo dominado pelo patriarcado.

O diretor Georgi M. Unkovski ancorou o clássico conflito do primeiro amor proibido e o choque de gerações por meio de uma parceria juvenil de grande autenticidade. O filme nos apresenta o triângulo de afetos entre o DJ Ahmet (Arif Jakup), a jovem Aya (Dora Akan Zlatanova), obrigada a um casamento arranjado, e Naim (Agush Agushev), o gracioso irmão mais novo de Ahmet, cujo silêncio é contagiante e apoiador. O embate central é estabelecido entre os jovens e a estrutura patriarcal que os cerca: enquanto se apaixonam e se apoiam em suas subversões artísticas, a música de Ahmet e a dança de Aya se tornam a linguagem comum de resistência. O fato de a mãe falecida de Ahmet ser uma amante da música adiciona um ingrediente emocional poderoso, mostrando que a arte é o elo capaz de superar a rigidez do patriarcado e a dor do luto.

A personagem de Aya é, inegavelmente, a força motriz e a alma subversiva do filme. Ela transcende o clichê da garota romântica: não é apenas a jovem que conquista o DJ, mas a figura que o encoraja e inspira a buscar a criatividade e alternativas para a subversão. Por meio dela, Ahmet se arrisca a conectar a rigidez do pastoreio com os encontros musicais.

O filme, no entanto, é perspicaz ao diferenciar as figuras paternas. O pai de Ahmet é um senhor endurecido pelo luto e focado na solidão e na venda de queijo, e embora seja rígido e, por vezes, grosseiro com o filho, ele surpreende em um dado momento com um toque de humanidade. Já o pai de Aya é nitidamente o conservador que negocia o destino da filha em um casamento arranjado, motivado puramente por posses e dinheiro. Aya, com sua bagagem de internet e música eletrônica, serve como um poderoso vetor da modernidade, introduzindo a dança e o techno na rigidez do vilarejo. Essa representação da arte e da tecnologia como ferramentas de libertação é o que torna o filme tão relevante para a pauta de inovação e cultura dos festivais internacionais.

A eficácia do filme reside em sua abordagem técnica para o protagonista. Ahmet é o DJ deslocado do meio urbano: ele não remixa, não possui equipamentos sofisticados nem recursos. No entanto, sua determinação em buscar alternativas o torna, de fato, um DJ. Nesse cenário, o desenho de som investe em uma arquitetura peculiar, mesclando músicas modernas com sons orgânicos do vilarejo — o balido das ovelhas, a sonoridade do templo religioso e a pulsação da tecnologia. O contraste criado é potente, permitindo que o mundo interior e escapista de Ahmet se mescle com o mundo exterior e realista. O diretor Georgi M. Unkovski amplifica essa dualidade utilizando planos cômicos e técnicas de câmera que revelam Ahmet em momentos de reflexão ou de fuga, como se estivesse em um sonho, reforçando a natureza escapista de sua arte.

DJ Ameht se revela uma joia rara: simples, eficaz e arrebatadoramente poético. O cineasta Georgi M. Unkovski constrói duas tensões que, ao invés de se anularem, coexistem: a necessidade de expressão, linguagens e autenticidade da geração jovem e o desafio da geração mais antiga de acolher essa nova identidade. O longa demonstra que há espaço tanto para o rompimento subversivo com a tradição quanto para o afeto acolhedor da família, provando que a tradição só permanece quando há amor. Em essência, a obra é sobre identidade, mas também sobre a coexistência: o amor pela família e o amor pela arte podem dialogar. Ao colocar o protagonista no dilema de seguir seu sonho, o filme reafirma que a barreira pode ser rompida, pois o mundo é global e as culturas — mesmo as mais isoladas — estão prontas para o diálogo.

Com este filme, Georgi M. Unkovski não apenas oferece um olhar autêntico sobre a Macedônia do Norte e a diáspora cultural Yuruk, mas também entrega uma ode à coragem juvenil. DJ Ahmet é um lembrete contundente de que a revolução pessoal acontece com os fones de ouvido e o volume no máximo, desafiando a ordem ancestral com o ritmo incontrolável do techno. DJ Ahmet é, afinal, a arquitetura poética da liberdade.

Novo filme de Anne Fontaine, Bolero: A Melodia Eterna, traz o processo criativo e pessoal por trás do clássico Bolero de Ravel

Lançamento de 17 de Abril. Distribuição #MaresFilmes

#BoleroAMelodiaEterna

Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

 

O Cinema é um dos mais vibrantes palcos para a Música Clássica em todo o seu poder de extravasar as emoções muitas vezes silenciadas pelo amor não correspondido, pelo luto e saudades de um ente querido, por uma doença incurável, pelo desejo de viver e de expressar os mais complexos sentimentos. Nas filmografias universais, as grandiosas peças musicais emocionam fortemente, conectando vivências com a ficção e biografias.

Um dos compositores mais expressivos e lembrados da História da Música Clássica é, sem dúvidas, Maurice Ravel. Basta lembrar que, em Batman: O cavaleiro das trevas ressurge (The Dark Knights, 2012), uma das suas mais belas composições, Pavane pour une infante défunte, domina o ambiente com uma inegável melancolia que combina perfeitamente com o heroi. Outro clássico, Bolero, agora homenageado pela cineasta Anne Fontaine, aponta para o legado magnífico de Ravel conhecido pela delicadeza estética e por um estilo impressionista ao captar as nuances da música.

Estrelado por experiente elenco, Bolero: A Melodia Eterna (Bolero, 2024) apresenta Ravel interpretado por Raphaël Personnaz, ator de "Karenina" e "O Palácio Francês". Ambientado na Paris de 1928, a famosa bailarina Ida Rubinstein (Jeanne Balibar) encomenda uma peça musical a Ravel para compor seu novo baile. Assim nasce Bolero, uma das principais obras do compositor e pianista. A trama acompanha seu processo de criação impactado pela crise existencial, as memórias da guerra, o amor não vivenciado por Misia Sert (Doria Tillier), a amizade com a pianista Marguerite Long (Emmanuelle Devos) e, por fim, a doença cerebral degenerativa que acometeu o gênio.

Antes de qualquer expectativa sobre esse longa, é importante considerar que, desde o princípio, o roteiro assinado por Anne Fontaine, Claire Barré e Pierre Trividic, realiza um claro recorte sobre o que será desenvolvido: é um filme sobre a referida peça musical. Para criá-la, se fez necessário explorar sutilmente algumas nuances deixando ao público construir a própria memória sobre Ravel. Nesse sentido, a atuação de Raphäel Personnaz vem a atender o caos existencial do brilhante compositor que, por diversas vezes, duvidou da própria obra, com claras evidências de que, ao ter muita criatividade musical aprisionada em sua mente, não escondeu suas vulnerabilidades e não viveu todo o potencial que poderia ter vivido. 

Ravel se mostra um homem muito agradável, porém de personalidade tortuosa. Bastante inseguro com as mulheres a ponto de visitar prostíbulos e não vivenciar o prazer carnal, dessa maneira, também aprisionado a um amor impossível por sua amiga Misia Sert que, mesmo tendo outros homens, encontrava em Ravel um homem acanhado sem atitude para amar. Com isso, essas nuances da trajetória de Ravel demonstram que ele tinha a música como sua principal paixão. Cercado de mulheres, da mãe à amiga, aparentava um bloqueio nas relações, voltando-se bastante às dúvidas sobre seu processo criativo. 

Dada a experiência de Anne Fontaine com cinebiografias e com uma câmera cheia de sutilezas para revelar discretamente os desejos e emoções muitas vezes incompreendidas ou ocultas, mais uma vez, ela se conecta visualmente bem ao personagem por meio dos closes e silêncios. Por outro lado, o roteiro tem a peculiar contradição de realizar o recorte de Bolero mas ao mesmo tempo tentar compor uma visão ampla com as pinceladas sobre o compositor. Em determinado momento da experiência com o filme, pode dar a impressão de que um aprofundamento nas relações, mais intensidade  e paixão pela música seriam bem vindos, porém, tal falta pode ser o reflexo da própria vida de Ravel, imerso em incompletudes.

A partir dessa constatação, o filme funciona mais pelo talento e competência de Raphäel Personnaz em transitar nos aspectos de um gênio e um homem vulnerável. Com a maestria da câmera de Anne Fontaine, a obra é um retrato convidativo de que, há grandes obras, sejam elas musicais, cinematográficas, literárias, artísticas, entre outras, que nascem a partir de vivências dolorosas e/ou ansiosas pelo idealismo, pela perfeição, pela plenitude, mas nenhuma vida é perfeita. Nenhuma! É natural que um vazio existencial seja completado pelo sensível dom da criação. Um dom iluminado com o qual o ser humano é capaz de transformar suas emoções mais complexas e difíceis  em expressiva beleza.

(3,5)

Imagens cedidas pela assessoria de imprensa para divulgação e crítica do filme

 

#Documentário #CinemaBrasileiro #MiltonNascimento #música

Na travessia da vida, celebre Bituca com esse belo documentário

20 de março nos Cinemas

Por Cristiane Costa,  Editora e blogueira crítica de Cinema, especialista em Comunicação

 

Há homenagens únicas que não são despedidas, são uma celebração da grande travessia que significa a vida em conexão com o humano e o mítico. São homenagens transcendentais que, por meio do Cinema, permanecem como o acolhedor abraço de um artista que se despede dos palcos, mas não de nossas vidas.

Milton Nascimento: Humano e mítico

Essa é a representação do documentário Milton Bituca Nascimento, que percorre os bastidores da turnê de despedida de Milton e que reúne imagens e depoimentos especiais sobre a grandiosidade do músico que é referência para inúmeros artistas como: Quincy Jones, Criolo, Maria Gadu, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Ivan Lins, Mano Brown, Beto  Guedes, Lô Borges, Esperanza Spalding, entre outras personalidades que encontram em Milton Nascimento uma figura mítica. 

Bastidores do filme nos Estados Unidos

Com produção da Gullane, Canal Azul, Nascimento Música e Claro em associação com Why?Stories Matter, Vital Studios e MoonSailor, o Doc é dirigido por  Flavia Moraes que, em parceria com Marcélo Ferla, assina o roteiro. Em um formato mais fluído de direção e montagem, o filme funciona como um eco do talento de Bituca, a partir de um maior foco em como a jornada musical dele é percebida e sentida por amigos(as) e parceiros(as) de carreira. Entrecortado com a belíssima narração de Fernanda Montenegro que insere a poesia e as metáforas em torno do maravilhoso artista, o documentário celebra o mito Bituca, algo que é difícil de explicar mas facilmente sentido durante a experiência.

 A diretora Flávia Moraes e Milton Nascimento

A música de Milton Nascimento tem uma sonoridade peculiar que funciona como um eco em toda a narrativa. Ao mesmo tempo que há uma miscelânea de depoimentos, ora mais especializados feitos por músicos, ora mais emocionais feitos por amigos e admiradores, a narração de Fernanda Montenegro se mescla com o som, o que sugere uma intencionalidade de eco que se perpetua por meio de um homem que enfrentou variados preconceitos sociais e, gloriosamente, como um nobre ancião negro, conseguiu a admiração e o respeito pela sua Arte. Um ancião da música como poesia, combate e transformação, assim, no cenário atual e muito mais a partir das mudanças e desafios, Bituca como referência atemporal é  um eco de permanência e libertação.

"Flavia reuniu seus anos de experiência para enfrentar os desafios de um projeto único, filmando on the road em diferentes países e colaborando com grandes nomes da música internacional. O resultado é um retrato emocionante e autêntico de um dos maiores artistas contemporâneos do Brasil"

(A divulgaçã, press kit)

Diante desse imperdível documentário, sua beleza é a simplicidade sobre um artista complexo. Muito do acerto da diretora e sua equipe está em expandir essa naturalidade por meio de músicos que aprenderam, trabalharam e se inspiraram em Milton. Quando um artista é muito admirado por outros artistas na forma como faz música atemporal, ele alcança o auge da referência. De uma maneira respeitosa e espontânea, essa valorização de Bituca adiciona uma camada humanizada na qual artistas que também são admirados se tornam admiradores, assim os convidados realizam seus relatos com muita autenticidade e afetos.

Milton Nascimento com Esperanza Spalding: Parceria no jazz

Como um músico que nasceu no Rio de Janeiro e cresceu em Minas Gerais, ganhando o Brasil e o mundo com seu talento, Milton Bituca Nascimento é o Brasil que amamos e que mostra o verdadeiro valor da nossa cultura e música. Do popular ao jazz, sua amplitude como artista fortalece nosso país. Com isso, Bituca se torna o Brasileiro cidadão do mundo, autoridade musical em universidades pelo mundo. Essa menção ao seu alcance mundial expressa muito mais sua força como um artista completo, que tem a potência de inspirar jovens músicos como um ser fabuloso que conecta o imaginário e o mundo material.

A última turnê de Bituca: é um sonho que ela fosse eterna

Com esse impacto transcendental de Milton, a jornada do músico é honrada em variados níveis: cinematográfico, biográfico, musical, humano e mítico e, diante dessa sensibilidade, só temos que agradecer a toda produção, direção e equipe do filme. Das montanhas de Minas Gerais a uma apresentação em Londres, a capilaridade de Bituca alcança corações, adentra emoções, revitaliza a alma. É exatamente em uma sala de Cinema que vamos sentir como nossas memórias também têm muito de Milton Bituca Nascimento em toda sua gentileza e força. E música boa é sobre se conectar com esse eco que o tempo não corrói. Um eco que permanece ao ouvir Travessia em uma viagem de ônibus pelo Brasil e chegar à beira de um Cais para refletir sobre o Amor.

Com esse belo documentário, os sonhos não envelhecem. Acredite!

Fotos autorizadas por Sinny Assessoria de imprensa, para divulgação do filme.

Foto making off filme @MarcosHermes

Foto Flavia Moraes e Milton Nascimento @MarcosHermes

Foto Flavia Moraes @FranParente